Monte Líbano 280, Lomas de Chapultepec
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar Índex VII: XX, una exposición que revisa, desde el presente, algunas de las líneas que han definido su programa a lo largo de dos décadas, en el contexto de la Semana del Arte de la Ciudad de México 2026.
Índex VII: XX retoma uno de los proyectos colectivos más reconocibles de la galería, concebido como un espacio de convergencia entre distintas prácticas artísticas y con las diversas formas de pensamiento que han establecido el estilo y el concepto de la galería, definiendo su posicionamiento dentro del contexto del arte contemporáneo internacional.
Bajo la curaduría de Hilario Galguera, esta edición de Índex se aleja de los formatos convencionales para manifestarse como un diálogo continuo que ha dado forma al entorno artístico de la galería. A través de tres espacios clave, Índex VII: XX se despliega como un recorrido que refleja la manera en que la galería ha ampliado sus formas de exhibición y diálogo en los últimos años. Desde su intervención en Casa Hotbook, pasando por el espacio de Galería Hilario Galguera Condesa, hasta el espacio de mayor escala de la galería en la histórica Colonia San Rafael, la muestra se construye como una curaduría expandida.
Casa HOTBOOK
La intervención en Casa HOTBOOK representa una de las facetas más dinámicas de esta edición. Al salir del entorno tradicional de la galería, la curaduría se adapta a la arquitectura del sitio.
Esta sede está dedicada a artistas emergentes y de mediana carrera de la galería. Las obras seleccionadas para este espacio no solo dialogan entre sí, sino que se integran orgánicamente a la vibración y el pulso de Casa Hotbook.
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar Índex VII: XX, una exposición que revisa, desde el presente, algunas de las líneas que han definido su programa a lo largo de dos décadas, en el contexto de la Semana del Arte de la Ciudad de México 2026.
Índex VII: XX retoma uno de los proyectos colectivos más reconocibles de la galería, concebido como un espacio de convergencia entre distintas prácticas artísticas y con las diversas formas de pensamiento que han establecido el estilo y el concepto de la galería, definiendo su posicionamiento dentro del contexto del arte contemporáneo internacional.
Bajo la curaduría de Hilario Galguera, esta edición de Índex se aleja de los formatos convencionales para manifestarse como un diálogo continuo que ha dado forma al entorno artístico de la galería. A través de tres espacios clave, Índex VII: XX se despliega como un recorrido que refleja la manera en que la galería ha ampliado sus formas de exhibición y diálogo en los últimos años. Desde su intervención en Casa Hotbook, pasando por el espacio de Galería Hilario Galguera Condesa, hasta el espacio de mayor escala de la galería en la histórica Colonia San Rafael, la muestra se construye como una curaduría expandida.
Casa HOTBOOK
La intervención en Casa HOTBOOK representa una de las facetas más dinámicas de esta edición. Al salir del entorno tradicional de la galería, la curaduría se adapta a la arquitectura del sitio.
Esta sede está dedicada a artistas emergentes y de mediana carrera de la galería. Las obras seleccionadas para este espacio no solo dialogan entre sí, sino que se integran orgánicamente a la vibración y el pulso de Casa Hotbook.
Galería Hilario Galguera is pleased to present Index VII: XX, an exhibition that revisits, from a contemporary perspective, some of the defining lines that have shaped the gallery’s program over the course of two decades, within the context of Mexico City Art Week 2026.
Index VII: XX returns to one of the gallery’s most recognizable collective projects, conceived as a space of convergence between diverse artistic practices and forms of thought that have established the gallery’s style and conceptual framework, defining its positioning within the international contemporary art context.
Curated by Hilario Galguera, this edition of Index moves away from conventional exhibition formats to unfold as an ongoing dialogue that has shaped the gallery’s artistic environment. Across three key venues, Index VII: XX is presented as a journey that reflects the ways in which the gallery has expanded its exhibition strategies and modes of dialogue in recent years. From its intervention at Casa HOTBOOK, through the space of Galería Hilario Galguera Condesa, to the gallery’s largest-scale venue in the historic San Rafael neighborhood, the exhibition is conceived as an expanded curatorial project.
Casa HOTBOOK
The intervention at Casa HOTBOOK represents one of the most dynamic facets of this edition. By stepping outside the traditional gallery environment, the curatorial approach adapts to the site’s architecture.
This venue is dedicated to emerging and mid-career artists represented by the gallery. The works selected for this space not only engage in dialogue with one another, but also integrate organically with the energy and pulse of Casa HOTBOOK.
Graduado en Communication Arts de la Universidad de Loyola de Montreal.
Se inicia como fotógrafo de moda en Montreal y Nueva York en 1973. Se traslada a Europa en 1976. Hasta el año 2006, vive entre Milán y París.
Durante esos años, su trabajo se publica en las más importantes revistas de moda internacionales: Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, Gala Internacional, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
Entre sus exposiciones individuales destacan el proyecto Últimos Testigos (Museo de la ciudad de Mérida, junio de 2016); las exposiciones en la Galería Lux Perpetua (Mérida, 2016), en el Museo de Antropologia de Munich, Alemania, (Museum Fünf Kontinente, junio de 2016), en el Museo Archivo Fotográfico de la Ciudad de México, 2017.
En el año 2024, el Museo de la Ciudad de Mérida organiza una gran muestra de su trabajo en moda: Serge Barbeau Retrospectiva. 25 años de foto de moda. París/Milán/Nueva York.
Serge Barbeau comparte su tiempo entre la selva maya de Francisco UhMay y la ciudad de Mérida.
Graduado en Communication Arts de la Universidad de Loyola de Montreal.
Se inicia como fotógrafo de moda en Montreal y Nueva York en 1973. Se traslada a Europa en 1976. Hasta el año 2006, vive entre Milán y París.
Durante esos años, su trabajo se publica en las más importantes revistas de moda internacionales: Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, Gala Internacional, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
Entre sus exposiciones individuales destacan el proyecto Últimos Testigos (Museo de la ciudad de Mérida, junio de 2016); las exposiciones en la Galería Lux Perpetua (Mérida, 2016), en el Museo de Antropologia de Munich, Alemania, (Museum Fünf Kontinente, junio de 2016), en el Museo Archivo Fotográfico de la Ciudad de México, 2017.
En el año 2024, el Museo de la Ciudad de Mérida organiza una gran muestra de su trabajo en moda: Serge Barbeau Retrospectiva. 25 años de foto de moda. París/Milán/Nueva York.
Serge Barbeau comparte su tiempo entre la selva maya de Francisco UhMay y la ciudad de Mérida.
Graduated in Communication Arts from the Loyola University in Montreal. He began as a fashion photographer in Montreal and New York in 1973 and moved to Europe in 1976. Until 2006, he lived between Milan and Paris.
During those years, his work was published in the most important international fashion magazines : Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, International Gala, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
To name some of Serge Barbeau’s solos exhibitions : Last Witnesses Museum of the City of Mérida, June 2016; the exhibitions at the Lux Perpetua Gallery Mérida, 2016, at the Museum of Anthropology in Munich, Germany, Museum Fünf Kontinente June 2016, at the Museo Archivo Fotográfico in Mexico City”, 2017. In 2024, the Museum of the City of Mérida organized a large exhibition of his work in fashion Serge Barbeau Retrospective, 25 years of fashion photo. Paris/Milan/New York.
Serge Barbeau shares his time between the town of Francisco Uh May located in the middle of the Mayan jungle located in Yucatan. And the city of Mérida.
El trabajo de Willem Boel (Sint-Niklaas, Bélgica, 1983) está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don’t Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don’t Care #05, una instalación monumental de 11m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
El trabajo de Willem Boel (Sint-Niklaas, Bélgica, 1983) está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don’t Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don’t Care #05, una instalación monumental de 11m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
Willem Boel (Sint-Niklaas, Belgium, 1983) bases his practice on the use of industrial structures and objects, stripped of their original function and reconstructed with artistic intent and a rigorous sense of composition. The historical and conceptual weight of these elements, serving as both support and artwork, along with the frequent buildup of paint, creates a density of information and materiality that contrasts in balance with the empty spaces and visual lightness of his pieces. These elements raise questions around disciplinary boundaries and traditional formats. The importance of process as a key component of his work lends significant value to time and duration.
Boel works mainly in series, with notable bodies of work including Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare Feu, and Sancho Don’t Care. In 2015, he was awarded the prestigious Grand Prize at the Salon de Montrouge.
He has exhibited at institutions such as Palais de Tokyo, Paris (2015); Museum M in Leuven, Belgium (2018); and Loods 12 in Wetteren, Belgium (2018). His monumental installation Sancho Don’t Care #05—an 11-meter-high sculpture— is currently touring across Europe, having been shown in Latvia, Denmark, France, and Belgium. In 2021, Boel participated in the Bruges Triennial (Belgium); Artissima (Turin, Italy); Art Rotterdam (Netherlands); and Kunstverein Peschkenhaus Moers (Germany), among many others.
Cosmas & Damian Brown nació en Paris, Francia y se crió principalmente en Oaxaca, México. Después de terminarla preparatoria en Inglaterra, Brown se mudó a Los Ángeles, California, donde empezó su formación como artista. Su experiencia profesional con el paisajismo, la pintura escénica, la construcción, el diseño, así como su trabajo como asistente para varios artistas en Estados Unidos y Europa, ha generado un impacto constante en su práctica artística.
Brown estudió artes plásticas en la UCLA Universidad de California, Los Angeles en el 2016 y su gusto por la mecánica lo llevó a estudiar mecánica de motocicletas en Los Ángeles Trade Technical College.
Su interés por las culturas y mitologías del mundo lo han llevado a viajar extensivamente, donde ha recolectado inspiración y habilidad técnica, que influyen de manera directa e indirecta en su propio trabajo. Actualmente Brown vive en Ciudad de México y Los Ángeles.
Cosmas & Damian Brown nació en Paris, Francia y se crió principalmente en Oaxaca, México. Después de terminarla preparatoria en Inglaterra, Brown se mudó a Los Ángeles, California, donde empezó su formación como artista. Su experiencia profesional con el paisajismo, la pintura escénica, la construcción, el diseño, así como su trabajo como asistente para varios artistas en Estados Unidos y Europa, ha generado un impacto constante en su práctica artística.
Brown estudió artes plásticas en la UCLA Universidad de California, Los Angeles en el 2016 y su gusto por la mecánica lo llevó a estudiar mecánica de motocicletas en Los Ángeles Trade Technical College.
Su interés por las culturas y mitologías del mundo lo han llevado a viajar extensivamente, donde ha recolectado inspiración y habilidad técnica, que influyen de manera directa e indirecta en su propio trabajo. Actualmente Brown vive en Ciudad de México y Los Ángeles.
Cosmas & Damian Brown was born in Paris, and raised mostly in Oaxaca, Mexico. After attending high school inEngland, Brown moved to Los Angeles, California, where he began his training as a professional artist. Brown has held a variety of jobs, including landscape painting, scenic painting, construction, design, and has worked as an assistant to various artists in the United States and Europe, all of which have had a lasting impact on his creative work.
Brown studied art in Los Angeles, and received his BA from UCLA University of California Los Angeles in 2016. His interest in mechanics led him to study Motorcycle Mechanics at Los Angeles Trade Technical College.
His interest in the cultures and mythologies of the world have led him to travel extensively, where he has collected inspiration and technical skill, which directly or indirectly influence his own work. Brown currently resides betweenMexico City and Los Angeles.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
Stijn Cole’s work is the result of a thorough visual and material analysis of the subjective perception of time and space in specific places and landscapes. Through gradual processes of decomposition and reconstruction, Cole produces hybrid works with previously isolated and recomposed elements, such as image, color, depth, perspective, and form, establishing balance, connection, and coherence between abstraction and representation. The relationship with his work occurs in both a poetic and rational way, not only through the senses, but also at the moment when we are necessarily forced to interpret the landscape from the original separation of its components. Stijn Cole works with a wide variety of techniques, materials, and formats, focusing his most recent body of work on installations.
Stijn Cole has exhibited individually at venues such as Galerie Iréne Laub, Brussels, Belgium (2021) and Galerie Wender in Zurich, Switzerland (2019); as well as group exhibitions at Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, France (2019) and at Biënnale van de schilderkunst, at the Raveel Museum, Zulte, Belgium (2018). His work is part of important collections such as the Belgian Embassy in Washington, United States, and the Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Ghent, Belgium.
El trabajo pictórico de John Copeland está basado en representaciones exageradas y expresivas de escenas cotidianas o domésticas, enfatizando por medio de la distorsión aspectos existenciales, o emocionales. Una de las características principales de Copeland es el balance formal preciso entre abstracción y figuración, que a la vez se corresponde con la relación perceptiva entre la realidad y la subjetividad.
Tanto las imágenes principales como los títulos de sus obras, frecuentemente surgen de múltiples referencias de elementos y objetos aleatorios que por diferentes motivos llaman la atención del artista y que se vinculan entre sí durante su proceso creativo. Conceptualmente, en la obra de Copeland están presentes ideas como la metanarrativa, la idea de lo absurdo, así como la impermanencia, logrando un realismo pictórico de la subjetividad desordenada y simultánea en varios niveles.
John Copeland ha expuesto de manera individual en lugares como Eighteen Gallery, Copenhague, Dinamarca (2022); Huxley-Parlour, Londres, Reino Unido (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2020); y Newport Street Gallery, Londres, Reino Unido (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Halsey McKay Gallery, Nueva York, EEUU (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2021); y en el Museo de Arte Moderno Aalborg, Dinamarca (2012). En el 2007 realizó una comisión para el Love Art Party Artist Collaboration para el Whitney Museum de Nueva York, EEUU.
El trabajo pictórico de John Copeland está basado en representaciones exageradas y expresivas de escenas cotidianas o domésticas, enfatizando por medio de la distorsión aspectos existenciales, o emocionales. Una de las características principales de Copeland es el balance formal preciso entre abstracción y figuración, que a la vez se corresponde con la relación perceptiva entre la realidad y la subjetividad.
Tanto las imágenes principales como los títulos de sus obras, frecuentemente surgen de múltiples referencias de elementos y objetos aleatorios que por diferentes motivos llaman la atención del artista y que se vinculan entre sí durante su proceso creativo. Conceptualmente, en la obra de Copeland están presentes ideas como la metanarrativa, la idea de lo absurdo, así como la impermanencia, logrando un realismo pictórico de la subjetividad desordenada y simultánea en varios niveles.
John Copeland ha expuesto de manera individual en lugares como Eighteen Gallery, Copenhague, Dinamarca (2022); Huxley-Parlour, Londres, Reino Unido (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2020); y Newport Street Gallery, Londres, Reino Unido (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Halsey McKay Gallery, Nueva York, EEUU (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2021); y en el Museo de Arte Moderno Aalborg, Dinamarca (2012). En el 2007 realizó una comisión para el Love Art Party Artist Collaboration para el Whitney Museum de Nueva York, EEUU.
El trabajo fotográfico de Cousins está basado en la construcción de imágenes cargadas de contrastes en varios sentidos: visual, conceptual y temático, así como derivados de sensaciones extremas y opuestas suscitadas por las obras. La artista, por medio de la exuberancia, lo extravagante, y la saturación de detalles y elementos, hace referencia a la fertilidad y a la vida a través de la exaltación de de las funciones del cuerpo femenino, a la vez que pone en crisis y cuestiona ideas rígidas existentes relativas al ideal de la pureza.
Maisie Cousins ha expuesto de manera individual en lugares como Fotografska, Estocolmo, Suecia (2020) y TJ Boulting, Londres, Reino Unido (2017). Ha participado en muestras colectivas en proyectos como la Bienal de Arte de Bangkok, Tailandia (2020) y en Musée National d’Histoire et d’Art, Luxemburgo (2019). En el 2019, fue finalista para el Paris Photo Aperture First Book Award por su obra Rubbish, Dipping Sauce, Grass, Peonie, Bum.
El trabajo fotográfico de Cousins está basado en la construcción de imágenes cargadas de contrastes en varios sentidos: visual, conceptual y temático, así como derivados de sensaciones extremas y opuestas suscitadas por las obras. La artista, por medio de la exuberancia, lo extravagante, y la saturación de detalles y elementos, hace referencia a la fertilidad y a la vida a través de la exaltación de de las funciones del cuerpo femenino, a la vez que pone en crisis y cuestiona ideas rígidas existentes relativas al ideal de la pureza.
Maisie Cousins ha expuesto de manera individual en lugares como Fotografska, Estocolmo, Suecia (2020) y TJ Boulting, Londres, Reino Unido (2017). Ha participado en muestras colectivas en proyectos como la Bienal de Arte de Bangkok, Tailandia (2020) y en Musée National d’Histoire et d’Art, Luxemburgo (2019). En el 2019, fue finalista para el Paris Photo Aperture First Book Award por su obra Rubbish, Dipping Sauce, Grass, Peonie, Bum.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
Serena Creciente (Samantha Lomelín, Ciudad de México, 2000) es artista plástica, fotógrafa y diseñadora. Su trabajo se articula desde un enfoque interdisciplinario que entrelaza escultura, moda y dirección de arte para explorar la forma como manifestación de presencia más que como símbolo. A través de materiales como el alambre, la resina, la piel, o el textil, sus piezas desafían los lenguajes de la representación y se afirman como cuerpos autónomos.
Lomelín es licenciada en Diseño Textil y Moda por la Universidad CENTRO. Ha ampliado su práctica a través de estudios intensivos en dirección creativa en Central Saint Martins (Londres), en fashion marketing en el London College of Fashion, y en fotografía de moda en TMF (Madrid).
En 2021 fundó Serena Creciente, un espacio de creación y experimentación donde confluyen escultura, indumentaria y performance. Su obra ha sido emblemática, y su lenguaje visual se ha consolidado como una búsqueda constante por desarticular las lógicas binarias entre cuerpo, objeto y ausencia.
Serena Creciente (Samantha Lomelín, Ciudad de México, 2000) es artista plástica, fotógrafa y diseñadora. Su trabajo se articula desde un enfoque interdisciplinario que entrelaza escultura, moda y dirección de arte para explorar la forma como manifestación de presencia más que como símbolo. A través de materiales como el alambre, la resina, la piel, o el textil, sus piezas desafían los lenguajes de la representación y se afirman como cuerpos autónomos.
Lomelín es licenciada en Diseño Textil y Moda por la Universidad CENTRO. Ha ampliado su práctica a través de estudios intensivos en dirección creativa en Central Saint Martins (Londres), en fashion marketing en el London College of Fashion, y en fotografía de moda en TMF (Madrid).
En 2021 fundó Serena Creciente, un espacio de creación y experimentación donde confluyen escultura, indumentaria y performance. Su obra ha sido emblemática, y su lenguaje visual se ha consolidado como una búsqueda constante por desarticular las lógicas binarias entre cuerpo, objeto y ausencia.
Serena Creciente (Samantha Lomelín, Mexico City, 2000) is a visual artist, photographer, and designer. Her practice is rooted in an interdisciplinary approach that integrates sculpture, fashion, and art direction to explore form as a manifestation of presence. Using materials such as wire, resin, leather, and textiles, her pieces challenge representational norms and assert themselves as autonomous bodies.
Lomelín holds a degree in Textile and Fashion Design from CENTRO University and has undertaken specialized studies in creative direction at Central Saint Martins (London), fashion marketing at the London College of Fashion, and fashion photography at TMF (Madrid)
In 2021, she founded Serena Creciente, a creative studio where sculpture, costume, and performance intersect.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (Mexico, 1998) is a multidisciplinary artist who works in mediums such as sculpture, painting, photography, installation and video. His art is used as a tool that allows him to sow intimate questions in the viewer about a plurality of themes such as memory, technology, the human body, violence, decadence and spirituality (or lack thereof). His works are often presented segmented, partially shown, or veiled, implying disturbing latent narratives, emphasized by the realism and precision of his technique.
In recent years, his projects have developed a continuous narrative that questions the current path of humanity and what it destines for the future, creating a tension between the existential and the spiritual, between tranquility and chaos.
Gabriel studied at the Barcelona Academy of Art, in 2018. His solo exhibitions include Preludio, Galería Hilario Galguera, Mexico (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, Mexico (2020); and Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). He has participated in group shows such as Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, Mexico (2021); DOT Daynight, Mexico (2024); and Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, Mexico (2022).
Con 14 años de carrera, Roberto del Río es un artista mexicano autodidacta que ha explorado el sentido de los materiales superpuestos, las texturas heterogéneas y el color. Ha concentrado su proceso creativo en el uso de veladuras y estratos donde superpone capas de elementos y pintura que crean una genealogía estética evocando el sentido del mito y la historia.
Roberto del Río mezcla iconografía ancestral con información del presente relevante al ser humano de hoy. A través de un juego de códigos, genera una especie de códice donde se entraman los enigmáticos jeroglíficos, símbolos y matices que en algún momento fueron utilizados por nuestros ancestros para explicar el origen del cosmos. Las figuras y formas utilizadas describen el temperamento no informativo y fragmentado de lo comunicado, jugando con los paradigmas del espectador.
Con este cuerpo de obra, del Río apela a la naturaleza de la especie humana y a la biología cósmica que la compone. “Somos ese espectador que mientras crea, se pierde en lo creado”. Mediante el uso de múltiples veladuras, el artista pretende sepultar facetas, iconografías, lenguajes y códigos, marcando y borrando simultáneamente las huellas de un intento de registro gráfico. La obra, formada de múltiples otras obras, funge como un gran collage activo, representando con esto tanto la frustración como la voracidad con la cual nuestra especie está siendo sometida al bombardeo informático.
Con 14 años de carrera, Roberto del Río es un artista mexicano autodidacta que ha explorado el sentido de los materiales superpuestos, las texturas heterogéneas y el color. Ha concentrado su proceso creativo en el uso de veladuras y estratos donde superpone capas de elementos y pintura que crean una genealogía estética evocando el sentido del mito y la historia.
Roberto del Río mezcla iconografía ancestral con información del presente relevante al ser humano de hoy. A través de un juego de códigos, genera una especie de códice donde se entraman los enigmáticos jeroglíficos, símbolos y matices que en algún momento fueron utilizados por nuestros ancestros para explicar el origen del cosmos. Las figuras y formas utilizadas describen el temperamento no informativo y fragmentado de lo comunicado, jugando con los paradigmas del espectador.
Con este cuerpo de obra, del Río apela a la naturaleza de la especie humana y a la biología cósmica que la compone. “Somos ese espectador que mientras crea, se pierde en lo creado”. Mediante el uso de múltiples veladuras, el artista pretende sepultar facetas, iconografías, lenguajes y códigos, marcando y borrando simultáneamente las huellas de un intento de registro gráfico. La obra, formada de múltiples otras obras, funge como un gran collage activo, representando con esto tanto la frustración como la voracidad con la cual nuestra especie está siendo sometida al bombardeo informático.
With a 14-year career, Roberto del Río is a self-taught Mexican artist who has explored the meaning of layered materials, heterogeneous textures, and color. His creative process focuses on the use of glazes and strata, where he overlays layers of elements and paint to create an aesthetic genealogy, evoking the sense of myth and history.
Roberto del Río blends ancestral iconography with present-day information relevant to contemporary humanity. Through a play of codes, he creates a sort of codex where enigmatic hieroglyphs, symbols, and nuances intertwine—elements once used by our ancestors to explain the origins of the cosmos. The figures and forms he employs reflect the non-informative and fragmented nature of communication, challenging the viewer’s paradigms.
With this body of work, del Río appeals to the nature of the human species and the cosmic biology that shapes it. “We are the spectator who, while creating, becomes lost in what is created.” Through the use of multiple layers of glazing, the artist seeks to bury facets, iconographies, languages, and codes—simultaneously marking and erasing the traces of an attempt at graphic recording. The work, composed of multiple individual pieces, functions as a dynamic collage, symbolizing both the frustration and the voracity with which our species is subjected to an overwhelming flood of information.
Stefan Sagmeister, reconocido diseñador y artista radicado en Nueva York y dos veces ganador del premio Grammy, cuenta con una carrera ilustre y un portafolio diverso que abarca proyectos de diseño por encargo, publicaciones de libros, películas, exposiciones e instalaciones públicas.
Las exposiciones multimedia de Stefan Sagmeister han sido presentadas en museos y galerías de todo el mundo, incluyendo su participación en la Bienal de Venecia en 2018. Una de sus muestras más reconocidas, The Happy Show, se inauguró en 2012 en el ICA de Filadelfia y posteriormente se presentó en Design Exchange (Toronto), MoCA (Los Ángeles) y el Pacific Design Center (ambos en 2013). En 2018, el MAK de Viena organizó The Beauty Show, una exposición que también fue exhibida en el Museum für Angewandte Kunst de Frankfurt, el Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo (2020) y la Fondation Martell en Cognac (2021).
Otras instituciones que han albergado su trabajo a lo largo de los años incluyen MAAT en Lisboa (2018), el Museo de Vancouver (2015), el Centro Cultural de Chicago, el Museo Judío de Nueva York (ambos en 2013), el Museo de Israel en Jerusalén (2010), Deitch Projects en Nueva York (2008), el Wolfsonian de Miami (2007) y el Zeroone Design Center en Seúl (2004).
Su obra forma parte de colecciones de renombre como el MoMA de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Arte de Chicago y el SFMoMA, entre otras instituciones internacionales. Y entre sus clientes se encuentran el Museo Guggenheim, los Rolling Stones y HBO.
Además, enseña en el programa de posgrado de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y ofrece conferencias alrededor del mundo.
Stefan Sagmeister, reconocido diseñador y artista radicado en Nueva York y dos veces ganador del premio Grammy, cuenta con una carrera ilustre y un portafolio diverso que abarca proyectos de diseño por encargo, publicaciones de libros, películas, exposiciones e instalaciones públicas.
Las exposiciones multimedia de Stefan Sagmeister han sido presentadas en museos y galerías de todo el mundo, incluyendo su participación en la Bienal de Venecia en 2018. Una de sus muestras más reconocidas, The Happy Show, se inauguró en 2012 en el ICA de Filadelfia y posteriormente se presentó en Design Exchange (Toronto), MoCA (Los Ángeles) y el Pacific Design Center (ambos en 2013). En 2018, el MAK de Viena organizó The Beauty Show, una exposición que también fue exhibida en el Museum für Angewandte Kunst de Frankfurt, el Museum für Kunst und Gewerbe de Hamburgo (2020) y la Fondation Martell en Cognac (2021).
Otras instituciones que han albergado su trabajo a lo largo de los años incluyen MAAT en Lisboa (2018), el Museo de Vancouver (2015), el Centro Cultural de Chicago, el Museo Judío de Nueva York (ambos en 2013), el Museo de Israel en Jerusalén (2010), Deitch Projects en Nueva York (2008), el Wolfsonian de Miami (2007) y el Zeroone Design Center en Seúl (2004).
Su obra forma parte de colecciones de renombre como el MoMA de Nueva York, el Museo de Arte de Filadelfia, el Instituto de Arte de Chicago y el SFMoMA, entre otras instituciones internacionales. Y entre sus clientes se encuentran el Museo Guggenheim, los Rolling Stones y HBO.
Además, enseña en el programa de posgrado de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York y ofrece conferencias alrededor del mundo.
Stefan Sagmeister, a renowned Austrian designer and artist based in New York and two-time Grammy Award winner, has built a distinguished career with a diverse portfolio that includes commissioned design projects, book publications, films, exhibitions, and public installations.
His multimedia exhibitions have been widely presented in museums and galleries around the world, including participation in the 2018 Venice Biennale. One of his most acclaimed shows, The Happy Show, debuted in 2012 at the ICA in Philadelphia and later traveled to Design Exchange (Toronto), MoCA (Los Angeles), and the Pacific Design Center (both in 2013). In 2018, the MAK in Vienna organized The Beauty Show, which was also exhibited at the Museum für Angewandte Kunst in Frankfurt, the Museum für Kunst und Gewerbe in Hamburg (2020), and Fondation Martell in Cognac (2021).
Other institutions that have hosted his work over the years include MAAT in Lisbon (2018), the Museum of Vancouver (2015), the Chicago Cultural Center, the Jewish Museum in New York (both in 2013), the Israel Museum in Jerusalem (2010), Deitch Projects in New York (2008), the Wolfsonian in Miami (2007), and the Zeroone Design Center in Seoul (2004).
His work is held in prestigious collections such as MoMA in New York, the Philadelphia Museum of Art, the Art Institute of Chicago, and SFMoMA, among other international institutions. His clients have included the Guggenheim Museum, the Rolling Stones, and HBO.
He currently teaches in the graduate program at the School of Visual Arts in New York and lectures internationally.