Aguascalientes 158
Col. Hipódromo Condesa, Ciudad de México
Patio Central del Hotel Mondrian / Hotel Andaz
Entrada Libre
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar Índex VII: XX, una exposición que revisa, desde el presente, algunas de las líneas que han definido su programa a lo largo de dos décadas, en el contexto de la Semana del Arte de la Ciudad de México 2026.
Índex VII: XX retoma uno de los proyectos colectivos más reconocibles de la galería, concebido como un espacio de convergencia entre distintas prácticas artísticas y con las diversas formas de pensamiento que han establecido el estilo y el concepto de la galería, definiendo su posicionamiento dentro del contexto del arte contemporáneo internacional.
Bajo la curaduría de Hilario Galguera, esta edición de Índex se aleja de los formatos convencionales para manifestarse como un diálogo continuo que ha dado forma al entorno artístico de la galería. A través de tres espacios clave, Índex VII: XX se despliega como un recorrido que refleja la manera en que la galería ha ampliado sus formas de exhibición y diálogo en los últimos años. Desde su intervención en Casa Hotbook, pasando por el espacio de Galería Hilario Galguera Condesa, hasta el espacio de mayor escala de la galería en la histórica Colonia San Rafael, la muestra se construye como una curaduría expandida.
Sede Condesa
Ubicado en el patio central que comparten los hoteles Andaz y Mondrian, la galería propone una experiencia. Inspirada en la tradición histórica de los gabinetes de gráfica, la museografía en la sede Condesa rompe con la distancia del cubo blanco tradicional para invitar a una observación minuciosa.
El montaje se caracteriza por una curaduría, donde el pequeño y medio formato permiten una saturación deliberada de ideas. En estas paredes, los artistas representados actualmente por la galería conviven con artistas invitados en ediciones previas de Índex y artistas colaboradores de espacios alternativos.
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar Índex VII: XX, una exposición que revisa, desde el presente, algunas de las líneas que han definido su programa a lo largo de dos décadas, en el contexto de la Semana del Arte de la Ciudad de México 2026.
Índex VII: XX retoma uno de los proyectos colectivos más reconocibles de la galería, concebido como un espacio de convergencia entre distintas prácticas artísticas y con las diversas formas de pensamiento que han establecido el estilo y el concepto de la galería, definiendo su posicionamiento dentro del contexto del arte contemporáneo internacional.
Bajo la curaduría de Hilario Galguera, esta edición de Índex se aleja de los formatos convencionales para manifestarse como un diálogo continuo que ha dado forma al entorno artístico de la galería. A través de tres espacios clave, Índex VII: XX se despliega como un recorrido que refleja la manera en que la galería ha ampliado sus formas de exhibición y diálogo en los últimos años. Desde su intervención en Casa Hotbook, pasando por el espacio de Galería Hilario Galguera Condesa, hasta el espacio de mayor escala de la galería en la histórica Colonia San Rafael, la muestra se construye como una curaduría expandida.
Sede Condesa
Ubicado en el patio central que comparten los hoteles Andaz y Mondrian, la galería propone una experiencia. Inspirada en la tradición histórica de los gabinetes de gráfica, la museografía en la sede Condesa rompe con la distancia del cubo blanco tradicional para invitar a una observación minuciosa.
El montaje se caracteriza por una curaduría, donde el pequeño y medio formato permiten una saturación deliberada de ideas. En estas paredes, los artistas representados actualmente por la galería conviven con artistas invitados en ediciones previas de Índex y artistas colaboradores de espacios alternativos.
Galería Hilario Galguera is pleased to present Index VII: XX, an exhibition that revisits, from a contemporary perspective, some of the defining lines that have shaped the gallery’s program over the course of two decades, within the context of Mexico City Art Week 2026.
Index VII: XX returns to one of the gallery’s most recognizable collective projects, conceived as a space of convergence between diverse artistic practices and forms of thought that have established the gallery’s style and conceptual framework, defining its positioning within the international contemporary art context.
Curated by Hilario Galguera, this edition of Index moves away from conventional exhibition formats to unfold as an ongoing dialogue that has shaped the gallery’s artistic environment. Across three key venues, Index VII: XX is presented as a journey that reflects the ways in which the gallery has expanded its exhibition strategies and modes of dialogue in recent years. From its intervention at Casa HOTBOOK, through the space of Galería Hilario Galguera Condesa, to the gallery’s largest-scale venue in the historic San Rafael neighborhood, the exhibition is conceived as an expanded curatorial project.
Condesa Venue
Located in the central courtyard shared by the Andaz and Mondrian hotels, the gallery proposes an experiential approach. Inspired by the historical tradition of graphic art cabinets, the museography at the Condesa venue breaks away from the distance of the traditional white cube, inviting close and attentive observation.
The installation is characterized by a curatorial strategy in which small and medium formats allow for a deliberate saturation of ideas. On these walls, artists currently represented by the gallery coexist with artists invited in previous editions of Index, as well as collaborators from alternative spaces.
El trabajo de Willem Boel (Sint-Niklaas, Bélgica, 1983) está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don’t Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don’t Care #05, una instalación monumental de 11m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
El trabajo de Willem Boel (Sint-Niklaas, Bélgica, 1983) está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don’t Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don’t Care #05, una instalación monumental de 11m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
Willem Boel (Sint-Niklaas, Belgium, 1983) bases his practice on the use of industrial structures and objects, stripped of their original function and reconstructed with artistic intent and a rigorous sense of composition. The historical and conceptual weight of these elements, serving as both support and artwork, along with the frequent buildup of paint, creates a density of information and materiality that contrasts in balance with the empty spaces and visual lightness of his pieces. These elements raise questions around disciplinary boundaries and traditional formats. The importance of process as a key component of his work lends significant value to time and duration.
Boel works mainly in series, with notable bodies of work including Le chef d’oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare Feu, and Sancho Don’t Care. In 2015, he was awarded the prestigious Grand Prize at the Salon de Montrouge.
He has exhibited at institutions such as Palais de Tokyo, Paris (2015); Museum M in Leuven, Belgium (2018); and Loods 12 in Wetteren, Belgium (2018). His monumental installation Sancho Don’t Care #05—an 11-meter-high sculpture— is currently touring across Europe, having been shown in Latvia, Denmark, France, and Belgium. In 2021, Boel participated in the Bruges Triennial (Belgium); Artissima (Turin, Italy); Art Rotterdam (Netherlands); and Kunstverein Peschkenhaus Moers (Germany), among many others.
Cosmas & Damian Brown nació en Paris, Francia y se crió principalmente en Oaxaca, México. Después de terminarla preparatoria en Inglaterra, Brown se mudó a Los Ángeles, California, donde empezó su formación como artista. Su experiencia profesional con el paisajismo, la pintura escénica, la construcción, el diseño, así como su trabajo como asistente para varios artistas en Estados Unidos y Europa, ha generado un impacto constante en su práctica artística.
Brown estudió artes plásticas en la UCLA Universidad de California, Los Angeles en el 2016 y su gusto por la mecánica lo llevó a estudiar mecánica de motocicletas en Los Ángeles Trade Technical College.
Su interés por las culturas y mitologías del mundo lo han llevado a viajar extensivamente, donde ha recolectado inspiración y habilidad técnica, que influyen de manera directa e indirecta en su propio trabajo. Actualmente Brown vive en Ciudad de México y Los Ángeles.
Cosmas & Damian Brown nació en Paris, Francia y se crió principalmente en Oaxaca, México. Después de terminarla preparatoria en Inglaterra, Brown se mudó a Los Ángeles, California, donde empezó su formación como artista. Su experiencia profesional con el paisajismo, la pintura escénica, la construcción, el diseño, así como su trabajo como asistente para varios artistas en Estados Unidos y Europa, ha generado un impacto constante en su práctica artística.
Brown estudió artes plásticas en la UCLA Universidad de California, Los Angeles en el 2016 y su gusto por la mecánica lo llevó a estudiar mecánica de motocicletas en Los Ángeles Trade Technical College.
Su interés por las culturas y mitologías del mundo lo han llevado a viajar extensivamente, donde ha recolectado inspiración y habilidad técnica, que influyen de manera directa e indirecta en su propio trabajo. Actualmente Brown vive en Ciudad de México y Los Ángeles.
Cosmas & Damian Brown was born in Paris, and raised mostly in Oaxaca, Mexico. After attending high school inEngland, Brown moved to Los Angeles, California, where he began his training as a professional artist. Brown has held a variety of jobs, including landscape painting, scenic painting, construction, design, and has worked as an assistant to various artists in the United States and Europe, all of which have had a lasting impact on his creative work.
Brown studied art in Los Angeles, and received his BA from UCLA University of California Los Angeles in 2016. His interest in mechanics led him to study Motorcycle Mechanics at Los Angeles Trade Technical College.
His interest in the cultures and mythologies of the world have led him to travel extensively, where he has collected inspiration and technical skill, which directly or indirectly influence his own work. Brown currently resides betweenMexico City and Los Angeles.
La obra de James Brown es una colección de imágenes y objetos que conviven en contextos específicos y que se articula como constelaciones de elementos ambiguos en aparente movimiento, con similitudes a organismos no definidos, casi flotantes, conectados y relacionados entre sí. El espacio entre las formas, tanto en cada una de sus piezas, como dentro de su cuerpo de trabajo en general, une y comunica desde la intención de mostrar la interdependencia de todo, la diversidad y la imprevisibilidad. Los universos de James Brown, se conforman a partir de la transformación de elementos del mundo natural hacia la esfera del arte, con ritmos visuales equilibrados entre las formas y una distribución precisa y orgánica.
El trabajo de James Brown se presenta, en oposición a las limitantes perceptivas de la alienación de la vida contemporánea y sus dinámicas. Utilizó un rango amplio de soportes, disciplinas y materiales e incorporó a sus piezas procesos no terminados de manera intencional, subrayando la naturaleza cambiante de la vida y el cosmos.
James Brown ha tenido más de 100 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en el mundo. Su obra pertenece a las colecciones de prestigiosos museos incluyendo el MoMA, Whitney Museum of American Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Instituto de Arte Contemporáneo KW, Berlín, Alemania; y el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca, México, entre muchos otros.
La obra de James Brown es una colección de imágenes y objetos que conviven en contextos específicos y que se articula como constelaciones de elementos ambiguos en aparente movimiento, con similitudes a organismos no definidos, casi flotantes, conectados y relacionados entre sí. El espacio entre las formas, tanto en cada una de sus piezas, como dentro de su cuerpo de trabajo en general, une y comunica desde la intención de mostrar la interdependencia de todo, la diversidad y la imprevisibilidad. Los universos de James Brown, se conforman a partir de la transformación de elementos del mundo natural hacia la esfera del arte, con ritmos visuales equilibrados entre las formas y una distribución precisa y orgánica.
El trabajo de James Brown se presenta, en oposición a las limitantes perceptivas de la alienación de la vida contemporánea y sus dinámicas. Utilizó un rango amplio de soportes, disciplinas y materiales e incorporó a sus piezas procesos no terminados de manera intencional, subrayando la naturaleza cambiante de la vida y el cosmos.
James Brown ha tenido más de 100 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en el mundo. Su obra pertenece a las colecciones de prestigiosos museos incluyendo el MoMA, Whitney Museum of American Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Instituto de Arte Contemporáneo KW, Berlín, Alemania; y el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca, México, entre muchos otros.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
Stijn Cole’s work is the result of a thorough visual and material analysis of the subjective perception of time and space in specific places and landscapes. Through gradual processes of decomposition and reconstruction, Cole produces hybrid works with previously isolated and recomposed elements, such as image, color, depth, perspective, and form, establishing balance, connection, and coherence between abstraction and representation. The relationship with his work occurs in both a poetic and rational way, not only through the senses, but also at the moment when we are necessarily forced to interpret the landscape from the original separation of its components. Stijn Cole works with a wide variety of techniques, materials, and formats, focusing his most recent body of work on installations.
Stijn Cole has exhibited individually at venues such as Galerie Iréne Laub, Brussels, Belgium (2021) and Galerie Wender in Zurich, Switzerland (2019); as well as group exhibitions at Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, France (2019) and at Biënnale van de schilderkunst, at the Raveel Museum, Zulte, Belgium (2018). His work is part of important collections such as the Belgian Embassy in Washington, United States, and the Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Ghent, Belgium.
El trabajo pictórico de John Copeland está basado en representaciones exageradas y expresivas de escenas cotidianas o domésticas, enfatizando por medio de la distorsión aspectos existenciales, o emocionales. Una de las características principales de Copeland es el balance formal preciso entre abstracción y figuración, que a la vez se corresponde con la relación perceptiva entre la realidad y la subjetividad.
Tanto las imágenes principales como los títulos de sus obras, frecuentemente surgen de múltiples referencias de elementos y objetos aleatorios que por diferentes motivos llaman la atención del artista y que se vinculan entre sí durante su proceso creativo. Conceptualmente, en la obra de Copeland están presentes ideas como la metanarrativa, la idea de lo absurdo, así como la impermanencia, logrando un realismo pictórico de la subjetividad desordenada y simultánea en varios niveles.
John Copeland ha expuesto de manera individual en lugares como Eighteen Gallery, Copenhague, Dinamarca (2022); Huxley-Parlour, Londres, Reino Unido (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2020); y Newport Street Gallery, Londres, Reino Unido (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Halsey McKay Gallery, Nueva York, EEUU (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2021); y en el Museo de Arte Moderno Aalborg, Dinamarca (2012). En el 2007 realizó una comisión para el Love Art Party Artist Collaboration para el Whitney Museum de Nueva York, EEUU.
El trabajo pictórico de John Copeland está basado en representaciones exageradas y expresivas de escenas cotidianas o domésticas, enfatizando por medio de la distorsión aspectos existenciales, o emocionales. Una de las características principales de Copeland es el balance formal preciso entre abstracción y figuración, que a la vez se corresponde con la relación perceptiva entre la realidad y la subjetividad.
Tanto las imágenes principales como los títulos de sus obras, frecuentemente surgen de múltiples referencias de elementos y objetos aleatorios que por diferentes motivos llaman la atención del artista y que se vinculan entre sí durante su proceso creativo. Conceptualmente, en la obra de Copeland están presentes ideas como la metanarrativa, la idea de lo absurdo, así como la impermanencia, logrando un realismo pictórico de la subjetividad desordenada y simultánea en varios niveles.
John Copeland ha expuesto de manera individual en lugares como Eighteen Gallery, Copenhague, Dinamarca (2022); Huxley-Parlour, Londres, Reino Unido (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2020); y Newport Street Gallery, Londres, Reino Unido (2018). Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Halsey McKay Gallery, Nueva York, EEUU (2021); V1 Gallery, Copenhague, Dinamarca (2021); y en el Museo de Arte Moderno Aalborg, Dinamarca (2012). En el 2007 realizó una comisión para el Love Art Party Artist Collaboration para el Whitney Museum de Nueva York, EEUU.
El trabajo fotográfico de Cousins está basado en la construcción de imágenes cargadas de contrastes en varios sentidos: visual, conceptual y temático, así como derivados de sensaciones extremas y opuestas suscitadas por las obras. La artista, por medio de la exuberancia, lo extravagante, y la saturación de detalles y elementos, hace referencia a la fertilidad y a la vida a través de la exaltación de de las funciones del cuerpo femenino, a la vez que pone en crisis y cuestiona ideas rígidas existentes relativas al ideal de la pureza.
Maisie Cousins ha expuesto de manera individual en lugares como Fotografska, Estocolmo, Suecia (2020) y TJ Boulting, Londres, Reino Unido (2017). Ha participado en muestras colectivas en proyectos como la Bienal de Arte de Bangkok, Tailandia (2020) y en Musée National d’Histoire et d’Art, Luxemburgo (2019). En el 2019, fue finalista para el Paris Photo Aperture First Book Award por su obra Rubbish, Dipping Sauce, Grass, Peonie, Bum.
El trabajo fotográfico de Cousins está basado en la construcción de imágenes cargadas de contrastes en varios sentidos: visual, conceptual y temático, así como derivados de sensaciones extremas y opuestas suscitadas por las obras. La artista, por medio de la exuberancia, lo extravagante, y la saturación de detalles y elementos, hace referencia a la fertilidad y a la vida a través de la exaltación de de las funciones del cuerpo femenino, a la vez que pone en crisis y cuestiona ideas rígidas existentes relativas al ideal de la pureza.
Maisie Cousins ha expuesto de manera individual en lugares como Fotografska, Estocolmo, Suecia (2020) y TJ Boulting, Londres, Reino Unido (2017). Ha participado en muestras colectivas en proyectos como la Bienal de Arte de Bangkok, Tailandia (2020) y en Musée National d’Histoire et d’Art, Luxemburgo (2019). En el 2019, fue finalista para el Paris Photo Aperture First Book Award por su obra Rubbish, Dipping Sauce, Grass, Peonie, Bum.
Israel González Élan es un artista con base en la Ciudad de México, Israel posee una sólida formación en Diseño Gráfico y una Maestría en Comunicación Visual. Su práctica artística se caracteriza por la fusión de técnicas como la pintura, la serigrafía, el grabado, la escultura y el collage, utilizando como cromática recurrente el azul ultramarino. Este color lo conecta con el mar y las profundidades del inconsciente, a la vez que representa la libertad del cielo azul.
En sus obras, Israel busca crear un balance entre las fuerzas opuestas de la naturaleza, transmitiendo significados reflexivos y restaurando el vínculo perdido con el universo. Las influencias de Israel se extienden a diversos sistemas de pensamiento y tradiciones, incluyendo la alquimia, la metafísica y el pensamiento esotérico. Estas influencias dan lugar a un enfoque artístico intencionalmente intuitivo y experimental.
Su obra ha sido expuesta institucionalmente en lugares como: Contemporaine De L’art Mexicain, Gallery AU, Paris, Francia (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, México (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italia (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid España (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, EUA, Chelsea New York (2019); entre otros.
Israel González Élan es un artista con base en la Ciudad de México, Israel posee una sólida formación en Diseño Gráfico y una Maestría en Comunicación Visual. Su práctica artística se caracteriza por la fusión de técnicas como la pintura, la serigrafía, el grabado, la escultura y el collage, utilizando como cromática recurrente el azul ultramarino. Este color lo conecta con el mar y las profundidades del inconsciente, a la vez que representa la libertad del cielo azul.
En sus obras, Israel busca crear un balance entre las fuerzas opuestas de la naturaleza, transmitiendo significados reflexivos y restaurando el vínculo perdido con el universo. Las influencias de Israel se extienden a diversos sistemas de pensamiento y tradiciones, incluyendo la alquimia, la metafísica y el pensamiento esotérico. Estas influencias dan lugar a un enfoque artístico intencionalmente intuitivo y experimental.
Su obra ha sido expuesta institucionalmente en lugares como: Contemporaine De L’art Mexicain, Gallery AU, Paris, Francia (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, México (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italia (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid España (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, EUA, Chelsea New York (2019); entre otros.
Israel González Élan is an artist based in Mexico City, Israel has a solid background in Graphic Design and a Masters in Visual Communication. His artistic practice is characterized by the fusion of techniques such as painting, silkscreen printing, engraving, sculptureand collage, using ultramarine blue as a recurring chromatic. This color connects him with the sea and the depths of the unconscious, while representing the freedom of the blue sky.
In his works, Israel seeks to create a balance between the opposing forces of nature, conveying reflective meanings and restoring the lost link with the universe. Israel's influences extend to diverse systems of thought and traditions, including alchemy, metaphysics and esoteric thought. These influences result in an intentionally intuitive and experimental artistic approach.
His work has been exhibited institutionally in venues such as: Contemporaine De L'art Mexicain, Gallery AU, Paris, France (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, Mexico (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italy (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid Spain (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, USA, Chelsea New York (2019); among others.
Artista visual mexicana reconocida por combinar lo bello y lo grotesco, en mundos personales donde lo violento, lo extraño y las fantasías imaginarias dialogan con recuerdos de la infancia y críticas incisivas al absurdo del materialismo contemporáneo. Su meticulosa atención al detalle ha llevado sus intrincadas pinturas y dibujos a destacadas ferias internacionales, exposiciones grupales en museos como el Los Angeles Municipal Art Gallery y en galerías en México, Estados Unidos y Europa. Recientemente, Su visión única se ha materializado en muestras individuales como Progeny of Chaos en Los Ángeles y Body Puzzles en Boston, consolidándose como una figura clave del arte contemporáneo.
Artista visual mexicana reconocida por combinar lo bello y lo grotesco, en mundos personales donde lo violento, lo extraño y las fantasías imaginarias dialogan con recuerdos de la infancia y críticas incisivas al absurdo del materialismo contemporáneo. Su meticulosa atención al detalle ha llevado sus intrincadas pinturas y dibujos a destacadas ferias internacionales, exposiciones grupales en museos como el Los Angeles Municipal Art Gallery y en galerías en México, Estados Unidos y Europa. Recientemente, Su visión única se ha materializado en muestras individuales como Progeny of Chaos en Los Ángeles y Body Puzzles en Boston, consolidándose como una figura clave del arte contemporáneo.
A Mexican visual artist renowned for blending beauty and the grotesque in personal worlds where violence, strangeness, and imaginary fantasies interact with childhood memories and incisive critiques of the absurdity of contemporary materialism. Her meticulous attention to detail has brought her intricate paintings and drawings to prominent international art fairs, group exhibitions in museums like the Los Angeles Municipal Art Gallery, and galleries in Mexico, the United States, and Europe. Recently, her unique vision has materialized in solo exhibitions such as Progeny of Chaos in Los Angeles and Body Puzzles in Boston, establishing her as a key figure in contemporary art.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (Mexico, 1998) is a multidisciplinary artist who works in mediums such as sculpture, painting, photography, installation and video. His art is used as a tool that allows him to sow intimate questions in the viewer about a plurality of themes such as memory, technology, the human body, violence, decadence and spirituality (or lack thereof). His works are often presented segmented, partially shown, or veiled, implying disturbing latent narratives, emphasized by the realism and precision of his technique.
In recent years, his projects have developed a continuous narrative that questions the current path of humanity and what it destines for the future, creating a tension between the existential and the spiritual, between tranquility and chaos.
Gabriel studied at the Barcelona Academy of Art, in 2018. His solo exhibitions include Preludio, Galería Hilario Galguera, Mexico (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, Mexico (2020); and Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). He has participated in group shows such as Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, Mexico (2021); DOT Daynight, Mexico (2024); and Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, Mexico (2022).
Erick Saucedo López (Ciudad Satélite, Estado de México, 1991) es un artista visual cuya obra explora las narrativas entre lo espiritual y lo material, lo bello y lo violento, mediante un lenguaje pictórico minucioso y simbólico. Formado en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, Saucedo combina la influencia del anime, la pintura religiosa y la ciencia ficción para construir universos visuales donde la condición humana se revela en tensión constante.
Ha participado en exposiciones en México y Estados Unidos, destacando Laboral (Ciudad de México, 2024) y Maximilian Contemporary (Oakland, 2020). Su trabajo ha sido incluido en certámenes como Parámetro, la Bienal Arte Lumen, Salón ACME, y la Bienal de Ilustración Pictoline.
Saucedo ha recibido tres apoyos del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2015–2016, 2020–2021 y 2024–2025) y fue ganador de la Bienal Arte Lumen 2018. Su obra forma parte de colecciones privadas en México y el extranjero.
Con una atención obsesiva al detalle, Saucedo reinterpreta la iconografía popular y religiosa para reflexionar sobre la fe, la memoria y la violencia, proponiendo una estética contemporánea donde la fantasía se convierte en una herramienta crítica de la realidad.
Erick Saucedo López (Ciudad Satélite, Estado de México, 1991) es un artista visual cuya obra explora las narrativas entre lo espiritual y lo material, lo bello y lo violento, mediante un lenguaje pictórico minucioso y simbólico. Formado en la Facultad de Artes y Diseño de la UNAM, Saucedo combina la influencia del anime, la pintura religiosa y la ciencia ficción para construir universos visuales donde la condición humana se revela en tensión constante.
Ha participado en exposiciones en México y Estados Unidos, destacando Laboral (Ciudad de México, 2024) y Maximilian Contemporary (Oakland, 2020). Su trabajo ha sido incluido en certámenes como Parámetro, la Bienal Arte Lumen, Salón ACME, y la Bienal de Ilustración Pictoline.
Saucedo ha recibido tres apoyos del programa Jóvenes Creadores del FONCA (2015–2016, 2020–2021 y 2024–2025) y fue ganador de la Bienal Arte Lumen 2018. Su obra forma parte de colecciones privadas en México y el extranjero.
Con una atención obsesiva al detalle, Saucedo reinterpreta la iconografía popular y religiosa para reflexionar sobre la fe, la memoria y la violencia, proponiendo una estética contemporánea donde la fantasía se convierte en una herramienta crítica de la realidad.
Erick Saucedo López (Ciudad Satélite, Estado de México, 1991) is a visual artist whose work explores the narratives between the spiritual and the material, the beautiful and the violent, through a meticulous and symbolic pictorial language. Trained at the Faculty of Arts and Design at UNAM, Saucedo combines influences from anime, religious painting, and science fiction to construct visual universes in which the human condition is revealed in constant tension.
He has participated in exhibitions in Mexico and the United States, including Laboral (Mexico City, 2024) and Maximilian Contemporary (Oakland, 2020). His work has been featured in exhibitions such as Parámetro, the Arte Lumen Biennial, Salón ACME, and the Pictoline Illustration Biennial.
Saucedo has received three grants from the FONCA Young Creators Program (2015–2016, 2020–2021, and 2024– 2025) and was awarded the Arte Lumen Biennial in 2018. His work is part of private collections in Mexico and abroad.
With an obsessive attention to detail, Saucedo reinterprets popular and religious iconography to reflect on faith, memory, and violence, proposing a contemporary aesthetic where fantasy becomes a critical tool for understanding reality.
Graduada de la Universidad de Buenos Aires como Licenciada Textil. Ha realizado residencias en Felipa Manuela,Madrid, España (2021), la residencia Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), y la residencia curatorial PIVÔ, Sao Paulo,Brasil 2023. Su trabajo artístico y curatorial atraviesa la investigación de estudios culturales explorando relaciones visuales, conceptuales y críticas sobre identidad, naturaleza y paisaje a partir de problemáticas socio-políticas y económicas. Desde 2014 crea y produce ciclos de arte contemporáneo latinoamericano y programas públicos para diversos museos, instituciones y galerías.
Escribe para revistas especializadas en el ámbito cultural como Piscina (Brasil), Artishock (Chile), Tramontana (España)y Global Art Daily (Japón). Desde el año 2021 integra el equipo curatorial de la plataforma de crítica y pensamientoRESET en FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, es curadora del ciclo de arte contemporáneo latinoamericanoMONTES NO VISIBLES laboratorio nómade que tuvo sede durante el año 2023 en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y en 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Gestora y curadora del ciclo de música experimental Resistencias rítmicas, y del ciclo de video performance 1 ahora fuera del tiempo, ambos en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
Graduada de la Universidad de Buenos Aires como Licenciada Textil. Ha realizado residencias en Felipa Manuela,Madrid, España (2021), la residencia Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), y la residencia curatorial PIVÔ, Sao Paulo,Brasil 2023. Su trabajo artístico y curatorial atraviesa la investigación de estudios culturales explorando relaciones visuales, conceptuales y críticas sobre identidad, naturaleza y paisaje a partir de problemáticas socio-políticas y económicas. Desde 2014 crea y produce ciclos de arte contemporáneo latinoamericano y programas públicos para diversos museos, instituciones y galerías.
Escribe para revistas especializadas en el ámbito cultural como Piscina (Brasil), Artishock (Chile), Tramontana (España)y Global Art Daily (Japón). Desde el año 2021 integra el equipo curatorial de la plataforma de crítica y pensamientoRESET en FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, es curadora del ciclo de arte contemporáneo latinoamericanoMONTES NO VISIBLES laboratorio nómade que tuvo sede durante el año 2023 en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y en 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Gestora y curadora del ciclo de música experimental Resistencias rítmicas, y del ciclo de video performance 1 ahora fuera del tiempo, ambos en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
Graduated from the University of Buenos Aires with a degree in Textiles. She has completed residencies at FelipaManuela, Madrid, Spain (2021), the residency Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), and the curatorial residency PIVÔ, Sao Paulo, Brazil (2023). Her artistic and curatorial work crosses the research of cultural studies exploring visual, conceptual and critical relationships on identity, nature and landscape from socio-political and economic issues. Since 2014 she creates and produces Latin American contemporary art cycles and public programs for various museums, institutions and galleries.
She writes for specialized magazines in the cultural field such as Piscina (Brazil), Artishock (Chile), Tramontana (Spain)and Global Art Daily (Japan). Since 2021 she is part of the curatorial team of the RESET platform of criticism and thought at FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, she is curator of the Latin American contemporary art cycleMONTES NO VISIBLES nomadic laboratory that took place during the year 2023 at the Museum of Contemporary Art. of Buenos Aires (MACBA) and at 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Manager and curator of the experimental music cycle Resistencias rítmicas, and the video performance cycle 1 ahora fuera del tiempo, both at the Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
YupicA (Tokyo, 1982) artista japonés residente en Ciudad de México, explora la espiritualidad contemporánea en el contexto global. A través de instalaciones multimedia, pintura de resina, escultura, fotografía e imágenes en movimiento, cuestiona las nociones tradicionales de identidad y espiritualidad. Su obra, inspirada en sus experiencias infantiles entre lo rural y lo urbano, celebra la interconexión entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología. YupicA utiliza técnicas como la arrozgrafía, el cuerpo escultórico con animación y la proyección multidimensional para crear piezas que van desde lo diminuto hasta lo inmersivo. Su trabajo ha sido expuesto en diversos espacios internacionales y ha recibido numerosos reconocimientos.
YupicA (Tokyo, 1982) artista japonés residente en Ciudad de México, explora la espiritualidad contemporánea en el contexto global. A través de instalaciones multimedia, pintura de resina, escultura, fotografía e imágenes en movimiento, cuestiona las nociones tradicionales de identidad y espiritualidad. Su obra, inspirada en sus experiencias infantiles entre lo rural y lo urbano, celebra la interconexión entre el ser humano, la naturaleza y la tecnología. YupicA utiliza técnicas como la arrozgrafía, el cuerpo escultórico con animación y la proyección multidimensional para crear piezas que van desde lo diminuto hasta lo inmersivo. Su trabajo ha sido expuesto en diversos espacios internacionales y ha recibido numerosos reconocimientos.
YupicA (Tokyo, 1982) Japanese artist based in Mexico City, explores contemporary spirituality in a global context. Through multimedia installations, resin painting, sculpture, photography and moving images, he questions traditional notions of identity and spirituality. His work, inspired by his childhood experiences between the rural and the urban, celebrates the interconnectedness between humans, nature and technology. YupicA uses techniques such as ricegraphy, animated sculptural body and multidimensional projection to create pieces that range from the diminutive to the immersive. His work has been exhibited in various international venues and has received numerous awards.