Calle Francisco Pimentel 3, Col. San Rafael
Ciudad de México
+52 55 5546 9001
info@galeriahilariogalguera.com
Lunes - Sábado: 11:00 -17:00 h
Entrada libre
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar la exposición colectiva Índex 6: Intus foris, la cual nos sumerge en una exploración extensiva de las posibilidades que rodean al papel dentro del arte contemporáneo. Un material con una esencia llena de dualidades que alberga el inicio y el fin del proceso creativo con un carácter lleno de simbolismo. Las obras de los artistas participantes se revelan con un peso y fuerza que pareciera contradecir la delicadeza del papel, creando un diálogo contrastante y expansivo.
Desde su invención en China durante el siglo II, el papel ha sido el motor silencioso de la evolución de la humanidad. Dentro de su fragilidad, ha cargado con la memoria del mundo, democratizando el conocimiento, facilitando la difusión de información y convirtiéndose en el mayor cómplice de revoluciones filosóficas, políticas y espirituales. Una herramienta que se ha vuelto omnipresente, pero tan sutil que pasa desapercibida, incluso cuando interviene en placeres cotidianos como filtrar café o enrollar tabaco. En el papel emergen los primeros pensamientos del artista, sus ideas manifestándose en forma de bocetos o estudios, pero también sobre este material puede culminar la obra.
Intus foris, que en latín significa “adentro – afuera”, sugiere un desplazamiento de la percepción del papel como soporte artístico para explorarlo como un medio autónomo. Su versatilidad, le permite moldearse a posibilidades conceptuales y escultóricas y a la vez, su nobleza accede a pasar a segundo plano para albergar otros medios. El título también juega con la noción de una idea interna e individual que logra ser externada. Index 6: Intus foris, es una nueva edición de una serie de exposiciones colectivas que han acompañado a la galería durante su historia. Reúne piezas de artistas de distintas trayectorias para visualizar la diversidad de su cuerpo de obra, que a la vez dialogan por una fuerza conceptual y material compartida. En esta ocasión, el hilo conductor es el papel, su potencia expresiva se manifiesta a través de técnicas como impresión, óleo, acrílico, pastel, grafito, lápiz, litografía y serigrafía por nombrar algunos. En todas, el papel opera como un cuerpo: reacciona, absorbe, resiste y muta.
Los artistas exhibidos presentan una variedad de temas y técnicas que van desde el retrato y el paisaje hasta la abstracción, revelando las múltiples posibilidades formales y narrativas que emergen cuando el papel se convierte en protagonista. Aquí, cada pliegue, cada trazo y cada capa contienen una intención; cada pieza es una conversación inmortalizada. Su esencia marcada por dualidades le da otro poder poético, a pesar de su delicadeza, el papel persiste. Sobrevive al gesto, al paso del tiempo y al vaivén de las corrientes, reafirmando su impacto y relevancia en la práctica artística contemporánea.
Índex 6: Intus foris estará abierta a partir del 18 de mayo en la galería de San Rafael y contará con la participación de artistas como Gilberto Aceves Navarro, Marcos Acosta, Willem Boel, James Hd Brown, Marie Cloquet, Stijn Cole, Israel González “Matador”, Athina Ioannou, Enrique Jezik, Kikyz1313, Francisco Larios, Daniel Lezama, Oliver Marsden, Gabriel O’Shea, Roberto del Río, Serge Barbeau, Issa Salliander, Bosco Sodi y Natalia Sosa Molina.
La Galería Hilario Galguera se complace en presentar la exposición colectiva Índex 6: Intus foris, la cual nos sumerge en una exploración extensiva de las posibilidades que rodean al papel dentro del arte contemporáneo. Un material con una esencia llena de dualidades que alberga el inicio y el fin del proceso creativo con un carácter lleno de simbolismo. Las obras de los artistas participantes se revelan con un peso y fuerza que pareciera contradecir la delicadeza del papel, creando un diálogo contrastante y expansivo.
Desde su invención en China durante el siglo II, el papel ha sido el motor silencioso de la evolución de la humanidad. Dentro de su fragilidad, ha cargado con la memoria del mundo, democratizando el conocimiento, facilitando la difusión de información y convirtiéndose en el mayor cómplice de revoluciones filosóficas, políticas y espirituales. Una herramienta que se ha vuelto omnipresente, pero tan sutil que pasa desapercibida, incluso cuando interviene en placeres cotidianos como filtrar café o enrollar tabaco. En el papel emergen los primeros pensamientos del artista, sus ideas manifestándose en forma de bocetos o estudios, pero también sobre este material puede culminar la obra.
Intus foris, que en latín significa “adentro – afuera”, sugiere un desplazamiento de la percepción del papel como soporte artístico para explorarlo como un medio autónomo. Su versatilidad, le permite moldearse a posibilidades conceptuales y escultóricas y a la vez, su nobleza accede a pasar a segundo plano para albergar otros medios. El título también juega con la noción de una idea interna e individual que logra ser externada. Index 6: Intus foris, es una nueva edición de una serie de exposiciones colectivas que han acompañado a la galería durante su historia. Reúne piezas de artistas de distintas trayectorias para visualizar la diversidad de su cuerpo de obra, que a la vez dialogan por una fuerza conceptual y material compartida. En esta ocasión, el hilo conductor es el papel, su potencia expresiva se manifiesta a través de técnicas como impresión, óleo, acrílico, pastel, grafito, lápiz, litografía y serigrafía por nombrar algunos. En todas, el papel opera como un cuerpo: reacciona, absorbe, resiste y muta.
Los artistas exhibidos presentan una variedad de temas y técnicas que van desde el retrato y el paisaje hasta la abstracción, revelando las múltiples posibilidades formales y narrativas que emergen cuando el papel se convierte en protagonista. Aquí, cada pliegue, cada trazo y cada capa contienen una intención; cada pieza es una conversación inmortalizada. Su esencia marcada por dualidades le da otro poder poético, a pesar de su delicadeza, el papel persiste. Sobrevive al gesto, al paso del tiempo y al vaivén de las corrientes, reafirmando su impacto y relevancia en la práctica artística contemporánea.
Índex 6: Intus foris estará abierta a partir del 18 de mayo en la galería de San Rafael y contará con la participación de artistas como Gilberto Aceves Navarro, Marcos Acosta, Willem Boel, James Hd Brown, Marie Cloquet, Stijn Cole, Israel González “Matador”, Athina Ioannou, Enrique Jezik, Kikyz1313, Francisco Larios, Daniel Lezama, Oliver Marsden, Gabriel O’Shea, Roberto del Río, Serge Barbeau, Issa Salliander, Bosco Sodi y Natalia Sosa Molina.
Galería Hilario Galguera is pleased to present the group exhibition Índex 6: Intus foris, immersing us in an extensive exploration of the possibilities surrounding paper in contemporary art. A material with an essence full of dualities that shelters the beginning and the end of the creative process with a symbolic nature. The works of the participating artists reveal themselves with a weight and strength that seems to contradict the delicacy of the paper, creating a contrasting and expansive dialogue.
Since its invention in China during the second century, paper has been the silent engine driving the evolution of humanity. Despite its fragility, it has carried the memory of the world, democratizing knowledge, facilitating the distribution of information and becoming the greatest accomplice of philosophical, political and spiritual revolutions. A tool that has become omnipresent, though so subtle that it goes unnoticed, even when it intervenes in everyday pleasures such as filtering coffee or rolling tobacco. On paper, an artist’s first thoughts emerge, their ideas manifesting themselves in the form of sketches or studies, but this material can also culminate in the final work.
Intus foris, Latin for “inside-out”, suggests a shift in the perception of paper as a support for artistic exploration into an autonomous medium. Its versatility allows it to be molded to different conceptual and sculptural possibilities, while its nobility enables it to take a back seat to host other media. The title also plays with the notion of an internal and individual idea that manages to be externalized. Index 6: Intus Foris, is a new edition of a series of group exhibitions that have accompanied the gallery throughout its history. It brings together pieces by artists from different backgrounds to visualize the diversity of their body of work, which converge through a shared conceptual and material strength. On this occasion, the common thread is paper, its expressive power manifested through various techniques such as printmaking, oil, acrylic, pastel, graphite, pencil, lithography and silkscreen to name a few. In all of them, paper operates as a body: it reacts, absorbs, resists and transforms.
The exhibited artists present a variety of themes and techniques ranging from portraiture and landscape to abstraction, revealing the multiple formal and narrative possibilities that emerge when paper becomes the protagonist. Here, each fold, each stroke and each layer bears intent; each piece is an immortalized conversation. Its essence marked by dualities gives it poetic power; despite its delicacy, paper persists. It survives gestures, the passage of time and the sway of currents, reaffirming its impact and relevance in contemporary artistic practices.
Índex 6: Intus foris will be open from May 18 at the San Rafael gallery and will feature artists such as Gilberto Aceves Navarro, Marcos Acosta, Willem Boel, James Hd Brown, Marie Cloquet, Stijn Cole, Israel González “Matador”, Athina Ioannou, Enrique Jezik, Kikyz1313, Francisco Larios, Daniel Lezama, Oliver Marsden, Gabriel O’Shea, Roberto del Río, Serge Barbeau, Issa Salliander, Bosco Sodi and Natalia Sosa Molina.
El trabajo de Willem Boel está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d'oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don't Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don't Care #05, una instalación monumental de 11 m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
El trabajo de Willem Boel está basado en la utilización de estructuras y objetos industriales, despojados de su función original y reconstruidos con una intención artística y con un riguroso sentido de composición. La carga histórica y conceptual de éstos, como soporte y obra simultánea, así como la frecuente acumulación de pintura, se traduce en densidad de información y en materialidad que contrasta en equilibrio con los espacios vacíos y ligereza visual de sus piezas, a la vez que se plantean interrogantes sobre los límites disciplinares y los formatos tradicionales. La importancia del proceso como componente clave de su obra, hace que el tiempo y la duración adquieran un valor especialmente significativo.
Willem Boel trabaja principalmente en series, siendo las más representativas Le chef d'oeuvre inconnu, De Nieuwe Molens, Pare feu y Sancho Don't Care. En el año 2015, Willem Boel ganó el prestigioso Gran Premio en el Salón de Montrouge.
Boel ha expuesto en museos como el Palais de Tokyo, París, Francia (2015); Museo M de Lovaina, Bélgica (2018); Loods 12 en Wetteren, Bélgica (2018). La obra Sancho Don't Care #05, una instalación monumental de 11 m de altura, está viajando por Europa de manera itinerante y se ha mostrado hasta el momento en Letonia, Dinamarca, Francia y Bélgica. Willem Boel participó en 2021 en la Trienal de Brujas, Bélgica; Artissima, Turín, Italia; Art Rotterdam, Países Bajos; Kunstverein Peschkenhaus Moers, Alemania; y muchos más.
La obra de James Brown es una colección de imágenes y objetos que conviven en contextos específicos y que se articula como constelaciones de elementos ambiguos en aparente movimiento, con similitudes a organismos no definidos, casi flotantes, conectados y relacionados entre sí. El espacio entre las formas, tanto en cada una de sus piezas, como dentro de su cuerpo de trabajo en general, une y comunica desde la intención de mostrar la interdependencia de todo, la diversidad y la imprevisibilidad. Los universos de James Brown, se conforman a partir de la transformación de elementos del mundo natural hacia la esfera del arte, con ritmos visuales equilibrados entre las formas y una distribución precisa y orgánica.
El trabajo de James Brown se presenta, en oposición a las limitantes perceptivas de la alienación de la vida contemporánea y sus dinámicas. Utilizó un rango amplio de soportes, disciplinas y materiales e incorporó a sus piezas procesos no terminados de manera intencional, subrayando la naturaleza cambiante de la vida y el cosmos.
James Brown ha tenido más de 100 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en el mundo. Su obra pertenece a las colecciones de prestigiosos museos incluyendo el MoMA, Whitney Museum of American Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Instituto de Arte Contemporáneo KW, Berlín, Alemania; y el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca, México, entre muchos otros.
La obra de James Brown es una colección de imágenes y objetos que conviven en contextos específicos y que se articula como constelaciones de elementos ambiguos en aparente movimiento, con similitudes a organismos no definidos, casi flotantes, conectados y relacionados entre sí. El espacio entre las formas, tanto en cada una de sus piezas, como dentro de su cuerpo de trabajo en general, une y comunica desde la intención de mostrar la interdependencia de todo, la diversidad y la imprevisibilidad. Los universos de James Brown, se conforman a partir de la transformación de elementos del mundo natural hacia la esfera del arte, con ritmos visuales equilibrados entre las formas y una distribución precisa y orgánica.
El trabajo de James Brown se presenta, en oposición a las limitantes perceptivas de la alienación de la vida contemporánea y sus dinámicas. Utilizó un rango amplio de soportes, disciplinas y materiales e incorporó a sus piezas procesos no terminados de manera intencional, subrayando la naturaleza cambiante de la vida y el cosmos.
James Brown ha tenido más de 100 exposiciones individuales y ha participado en más de 200 exposiciones colectivas en el mundo. Su obra pertenece a las colecciones de prestigiosos museos incluyendo el MoMA, Whitney Museum of American Art y Metropolitan Museum of Art en Nueva York; Centre Georges Pompidou, París, Francia; Instituto de Arte Contemporáneo KW, Berlín, Alemania; y el Museo de Arte Contemporáneo (MACO), Oaxaca, México, entre muchos otros.
La obra de Marie Cloquet consiste en la construcción de paisajes híbridos de gran formato a partir de la recomposición de fotografías de la naturaleza en blanco y negro, que la artista desmonta y luego vuelve a montar en un orden diferente, creando narraciones melancólicas y misteriosas. Sus obras oscilan entre la fotografía y la pintura, la simulación y la representación, la fragmentación y la unidad, y la extrañeza y la familiaridad de las isotopías visuales y las topografías ficticias. En su proceso, tras la reconstrucción de las imágenes mediante collage, Cloquet cubre sus obras con acuarelas transparentes que, junto con las dimensiones de las piezas, dan a entender que se trata de una obra de arte.
las dimensiones de las piezas, implican un mayor grado de abstracción, fantasía e irrealidad. Marie Cloquet ha mostrado su obra en espacios como S.M.A.K., Gante, Bélgica (2020); Dhont-Dhaenens Museum, Deurle, Bélgica (2010); Jason Haam Gallery, Seúl, Corea (2018); 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japón (2016), entre otros. Su obra forma parte de las colecciones de S.M.A.K., Gante, Bélgica; Museum M Leuven, Bélgica; Art Collection National Bank of Belgium, entre otras.
La obra de Marie Cloquet consiste en la construcción de paisajes híbridos de gran formato a partir de la recomposición de fotografías de la naturaleza en blanco y negro, que la artista desmonta y luego vuelve a montar en un orden diferente, creando narraciones melancólicas y misteriosas. Sus obras oscilan entre la fotografía y la pintura, la simulación y la representación, la fragmentación y la unidad, y la extrañeza y la familiaridad de las isotopías visuales y las topografías ficticias. En su proceso, tras la reconstrucción de las imágenes mediante collage, Cloquet cubre sus obras con acuarelas transparentes que, junto con las dimensiones de las piezas, dan a entender que se trata de una obra de arte.
las dimensiones de las piezas, implican un mayor grado de abstracción, fantasía e irrealidad. Marie Cloquet ha mostrado su obra en espacios como S.M.A.K., Gante, Bélgica (2020); Dhont-Dhaenens Museum, Deurle, Bélgica (2010); Jason Haam Gallery, Seúl, Corea (2018); 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japón (2016), entre otros. Su obra forma parte de las colecciones de S.M.A.K., Gante, Bélgica; Museum M Leuven, Bélgica; Art Collection National Bank of Belgium, entre otras.
Marie Cloquet’s work consists of the construction of large-format hybrid landscapes from the recomposition of black and white nature photographs, which the artist tears apart and then reassembles in a different order, creating melancholic and mysterious narratives.
Her works oscillate between photography and painting, simulation and representation, fragmentation and unity, and the strangeness and familiarity of visual isotopies and fictitious topographies. In her process, after the reconstruction of the images by means of collage, Cloquet covers her works with transparent watercolor colors, which together with the dimensions of the pieces, imply a further degree of abstraction, fantasy and unreality. Marie Cloquet has shown her work in spaces such as S.M.A.K., Ghent, Belgium (2020); Dhont-Dhaenens Museum, Deurle, Belgium (2010); Jason Haam Gallery, Seoul, Korea (2018); 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa, Japan (2016), among others. His work is part of the collections of S.M.A.K., Ghent, Belgium; Museum M Leuven, Belgium; Art Collection National Bank of Belgium, among others.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
El trabajo de Stijn Cole es el resultado de un análisis exhaustivo visual y material de la percepción subjetiva del tiempo y del espacio de lugares y paisajes específicos. A partir de procesos posteriores graduales de descomposición y reconstrucción, Cole produce obras híbridas con elementos previamente aislados y recompuestos, tales como imagen, color, profundidad, perspectiva y forma, estableciendo equilibrio, vínculo y coherencia entre abstracción y representación. La relación con su trabajo sucede de manera tanto poética como racional, no sólo por medio de los sentidos, sino al momento en el que necesariamente somos orillados a interpretar el paisaje desde la separación original de sus componentes. Stijn Cole trabaja con una amplia variedad de técnicas, materiales y formatos, enfocando su más reciente cuerpo de trabajo en instalaciones.
Stijn Cole ha expuesto de manera individual en lugares como Galería Iréne Laub, Bruselas, Bélgica (2021) y Galería Wender en Zúrich, Suiza (2019); al igual que exposiciones colectivas en Lieu d’Art Contemporain (L.A.C.) Narbonne, Sigean, Francia (2019) y en Biënnale van de schilderkunst, en el Museo Raveel, Zulte, Bélgica (2018). Su obra forma parte de importantes colecciones como de la Embajada de Bélgica en Washington, Estados Unidos y de Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (S.M.A.K.), Gante, Bélgica.
Israel González "Matador” es un artista con base en la Ciudad de México, Matador posee una sólida formación en Diseño Gráfico y una Maestría en Comunicación Visual. Su práctica artística se caracteriza por la fusión de técnicas como la pintura, la serigrafía, el grabado, la escultura y el collage, utilizando como cromática recurrente el azul ultramarino. Este color lo conecta con el mar y las profundidades del inconsciente, a la vez que representa la libertad del cielo azul.
En sus obras, Matador busca crear un balance entre las fuerzas opuestas de la naturaleza, transmitiendo significados reflexivos y restaurando el vínculo perdido con el universo. Las influencias de Matador se extienden a diversos sistemas de pensamiento y tradiciones, incluyendo la alquimia, la metafísica y el pensamiento esotérico. Estas influencias dan lugar a un enfoque artístico intencionalmente intuitivo y experimental.
Su obra ha sido expuesta institucionalmente en lugares como: Contemporaine De L’art Mexicain, Gallery AU, Paris, Francia (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, México (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italia (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid España (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, EUA, Chelsea New York (2019); entre otros.
Israel González "Matador” es un artista con base en la Ciudad de México, Matador posee una sólida formación en Diseño Gráfico y una Maestría en Comunicación Visual. Su práctica artística se caracteriza por la fusión de técnicas como la pintura, la serigrafía, el grabado, la escultura y el collage, utilizando como cromática recurrente el azul ultramarino. Este color lo conecta con el mar y las profundidades del inconsciente, a la vez que representa la libertad del cielo azul.
En sus obras, Matador busca crear un balance entre las fuerzas opuestas de la naturaleza, transmitiendo significados reflexivos y restaurando el vínculo perdido con el universo. Las influencias de Matador se extienden a diversos sistemas de pensamiento y tradiciones, incluyendo la alquimia, la metafísica y el pensamiento esotérico. Estas influencias dan lugar a un enfoque artístico intencionalmente intuitivo y experimental.
Su obra ha sido expuesta institucionalmente en lugares como: Contemporaine De L’art Mexicain, Gallery AU, Paris, Francia (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, México (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italia (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid España (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, EUA, Chelsea New York (2019); entre otros.
Israel González “Matador” is an artist based in Mexico City, Matador has a solid background in Graphic Design and a Masters in Visual Communication. His artistic practice is characterized by the fusion of techniques such as painting, silkscreen printing, engraving, sculptureand collage, using ultramarine blue as a recurring chromatic. This color connects him with the sea and the depths of the unconscious, while representing the freedom of the blue sky.
In his works, Matador seeks to create a balance between the opposing forces of nature, conveying reflective meanings and restoring the lost link with the universe. Matador's influences extend to diverse systems of thought and traditions, including alchemy, metaphysics and esoteric thought. These influences result in an intentionally intuitive and experimental artistic approach.
His work has been exhibited institutionally in venues such as: Contemporaine De L'art Mexicain, Gallery AU, Paris, France (2022); Conjuros Cósmicos, LOOT, Mexico (2022); Biennale di Venezia, Fondazi- one Amadeo Modigliani, Venezia, Italy (2021); México de Mil Colores, Casa Decor, Madrid Spain (2021); Latin Art Show, Cadena Gallery, USA, Chelsea New York (2019); among others.
La obra de Athina Ioannou está centrada en prácticas pictóricas que derivan en instalaciones en sitios específicos, enfatizados por transparencias y la utilización de materiales locales, tales como textiles de la zona, así como por el acto de priorizar ciertos espacios o elementos arquitectónicos sobre otros. Ioannou se basa en el uso de formas geométricas, tales como el triángulo, así como en la repetición de trazos gestuales rítmicos y precisos, realizados con carboncillo. La artista frecuentemente sumerge las telas en aceite, que además de fijar el pigmento y resaltar los colores, logra cierta transparencia que une el soporte, el color y el espacio en un solo objeto, integrando también la mirada del espectador. Athina Ioannou estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma bajo la tutela de Jannis Kounellis, David Rabinowich y Daniel Buren.
Athina Ioannou ha expuesto individualmente en lugares como Espace d’art Contemporain HEC, París, Francia (2007) y Galería Hopstreet, Gante, Bélgica (2016) y participado en exposiciones colectivas alrededor del mundo incluyendo el MRAC Musée Régional D’Art Contemporain Languedoc-Roussillon, Sérignan, Francia (2017) y HEC Contemporary Art Space, París Francia (2015). Sus obras forman parte de colecciones de distintos museos incluyendo al MMCA Macedonian Muséum d’Art Contemporain, en Thessaloniki, Grecia y MRAC Musée Régional d’Art Contemporain en Languedoc-Roussillon, Francia; al igual que de colecciones privadas como Murderme Collection. En el 2013 Ioannou fue recipiente del reconocimiento Jubiläums Stiftung der Sparkasse Neuss, Alemania.
La obra de Athina Ioannou está centrada en prácticas pictóricas que derivan en instalaciones en sitios específicos, enfatizados por transparencias y la utilización de materiales locales, tales como textiles de la zona, así como por el acto de priorizar ciertos espacios o elementos arquitectónicos sobre otros. Ioannou se basa en el uso de formas geométricas, tales como el triángulo, así como en la repetición de trazos gestuales rítmicos y precisos, realizados con carboncillo. La artista frecuentemente sumerge las telas en aceite, que además de fijar el pigmento y resaltar los colores, logra cierta transparencia que une el soporte, el color y el espacio en un solo objeto, integrando también la mirada del espectador. Athina Ioannou estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma bajo la tutela de Jannis Kounellis, David Rabinowich y Daniel Buren.
Athina Ioannou ha expuesto individualmente en lugares como Espace d’art Contemporain HEC, París, Francia (2007) y Galería Hopstreet, Gante, Bélgica (2016) y participado en exposiciones colectivas alrededor del mundo incluyendo el MRAC Musée Régional D’Art Contemporain Languedoc-Roussillon, Sérignan, Francia (2017) y HEC Contemporary Art Space, París Francia (2015). Sus obras forman parte de colecciones de distintos museos incluyendo al MMCA Macedonian Muséum d’Art Contemporain, en Thessaloniki, Grecia y MRAC Musée Régional d’Art Contemporain en Languedoc-Roussillon, Francia; al igual que de colecciones privadas como Murderme Collection. En el 2013 Ioannou fue recipiente del reconocimiento Jubiläums Stiftung der Sparkasse Neuss, Alemania.
El trabajo de Ježik está basado en prácticas multidisciplinarias enfocadas en ataques directos y explícitos a la censura, la vigilancia y distintas formas de estrategias control, así como en ideales anarquistas y de libertad, siendo radicalmente crítico de sistemas represivos normalizados, legales o falsamente democráticos y de las dinámicas mediáticas masivas de comunicación y politización. En sus obras utiliza armas, maquinaria de guerra y materiales industriales como componentes formales o escultóricos, o como readymades, siendo el performance uno de los pilares de su trabajo, además de emplear otros medios, desde dibujos o textos, hasta intervenciones arquitectónicas en espacios públicos. La tensión generada por la violencia y agresividad en las piezas de Ježik es experimentada no sólo por los espectadores, sino que implica frecuentemente un riesgo real, potencial o latente, desde los procesos de producción.
Ježik establece referencias a la historia del arte, tales como el minimalismo norteamericano o el suprematismo ruso, con implicaciones formales y conceptuales específicas en cada caso.
Ježik ha expuesto individualmente en lugares como: Centro de Arte Contemporáneo Laznia. Gdansk, Polonia (2022); Galería Metropolitana, Santiago, Chile (2019); Fundación OSDE, Buenos Aires (2018); Ex Teresa Arte Actual, Ciudad de México (2017); Galería Vermelho, São Paulo (2015); Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2011). Colectivamente su obra ha sido expuesta en diversas instituciones como el Museo Carrillo Gil; Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Haus der Kulturen der Welt (Berlín), Museo Reina Sofía (Madrid), Musée des Beaux Arts (Montréal), Art Sonje Center (Seúl), así como en las bienales de Mercosur (Porto Alegre, 2003), São Paulo (2010), Ljubljana (2011), Shanghai (2018) y BienalSur (Buenos Aires, 2019).
El trabajo de Ježik está basado en prácticas multidisciplinarias enfocadas en ataques directos y explícitos a la censura, la vigilancia y distintas formas de estrategias control, así como en ideales anarquistas y de libertad, siendo radicalmente crítico de sistemas represivos normalizados, legales o falsamente democráticos y de las dinámicas mediáticas masivas de comunicación y politización. En sus obras utiliza armas, maquinaria de guerra y materiales industriales como componentes formales o escultóricos, o como readymades, siendo el performance uno de los pilares de su trabajo, además de emplear otros medios, desde dibujos o textos, hasta intervenciones arquitectónicas en espacios públicos. La tensión generada por la violencia y agresividad en las piezas de Ježik es experimentada no sólo por los espectadores, sino que implica frecuentemente un riesgo real, potencial o latente, desde los procesos de producción.
Ježik establece referencias a la historia del arte, tales como el minimalismo norteamericano o el suprematismo ruso, con implicaciones formales y conceptuales específicas en cada caso.
Ježik ha expuesto individualmente en lugares como: Centro de Arte Contemporáneo Laznia. Gdansk, Polonia (2022); Galería Metropolitana, Santiago, Chile (2019); Fundación OSDE, Buenos Aires (2018); Ex Teresa Arte Actual, Ciudad de México (2017); Galería Vermelho, São Paulo (2015); Museo Universitario Arte Contemporáneo, Ciudad de México (2011). Colectivamente su obra ha sido expuesta en diversas instituciones como el Museo Carrillo Gil; Museo de Arte Moderno (Ciudad de México), Museo Nacional de Bellas Artes (Buenos Aires), Haus der Kulturen der Welt (Berlín), Museo Reina Sofía (Madrid), Musée des Beaux Arts (Montréal), Art Sonje Center (Seúl), así como en las bienales de Mercosur (Porto Alegre, 2003), São Paulo (2010), Ljubljana (2011), Shanghai (2018) y BienalSur (Buenos Aires, 2019).
Artista visual mexicana reconocida por combinar lo bello y lo grotesco, en mundos personales donde lo violento, lo extraño y las fantasías imaginarias dialogan con recuerdos de la infancia y críticas incisivas al absurdo del materialismo contemporáneo. Su meticulosa atención al detalle ha llevado sus intrincadas pinturas y dibujos a destacadas ferias internacionales, exposiciones grupales en museos como el Los Angeles Municipal Art Gallery y en galerías en México, Estados Unidos y Europa. Recientemente, Su visión única se ha materializado en muestras individuales como Progeny of Chaos en Los Ángeles y Body Puzzles en Boston, consolidándose como una figura clave del arte contemporáneo.
Artista visual mexicana reconocida por combinar lo bello y lo grotesco, en mundos personales donde lo violento, lo extraño y las fantasías imaginarias dialogan con recuerdos de la infancia y críticas incisivas al absurdo del materialismo contemporáneo. Su meticulosa atención al detalle ha llevado sus intrincadas pinturas y dibujos a destacadas ferias internacionales, exposiciones grupales en museos como el Los Angeles Municipal Art Gallery y en galerías en México, Estados Unidos y Europa. Recientemente, Su visión única se ha materializado en muestras individuales como Progeny of Chaos en Los Ángeles y Body Puzzles en Boston, consolidándose como una figura clave del arte contemporáneo.
A Mexican visual artist renowned for blending beauty and the grotesque in personal worlds where violence, strangeness, and imaginary fantasies interact with childhood memories and incisive critiques of the absurdity of contemporary materialism. Her meticulous attention to detail has brought her intricate paintings and drawings to prominent international art fairs, group exhibitions in museums like the Los Angeles Municipal Art Gallery, and galleries in Mexico, the United States, and Europe. Recently, her unique vision has materialized in solo exhibitions such as Progeny of Chaos in Los Angeles and Body Puzzles in Boston, establishing her as a key figure in contemporary art.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Francisco Larios es un artista multidisciplinario que trabaja con pintura, dibujo de concepto abierto y software para modelado 3D. En su serie de trabajos, las influencias postmodernas son reconocidas por formas simplificadas, líneas y geometría sagrada. La producción de Larios no es una cita acrítica o una apropiación de los temas que le interesan, sino una exploración poética del estado de nuestras relaciones con la fe, la voluntad y el destino. Sus títulos, a menudo, hacen referencia a situaciones o grupos de personas memorables a lo largo de la historia.
Francisco Larios estudió diseño con especialidad en historia del arte en la Universidad La Salle, Laguna. Ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en lugares cómo Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO), Monterrey, México (2015); Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Oaxaca, México (2009); Museé de Arte Modesta, Montpellier, Francia (2004); y Museo de Arte y Diseño Contemporáneo, San José, Costa Rica (2004). Ha contado con una variedad de exposiciones individuales en lugares como Galería Mackey, Houston, Texas, EEUU (2005) y B&D Gallery, Milán, Italia (2004). Durante su trayectoria le han sido otorgados varios premios y reconocimientos, incluyendo el primer lugar en la VII Bienal de Cuenca, Ecuador en el 2001. Pertenece a la colección de museos alrededor del mundo, incluyendo el Museum of Contemporary Art San Diego, California, EEUU, Museum of Fine Arts, Houston, Texas, EEUU, Museo de arte Contemporáneo de Monterrey y el Musée d'Art Modesta, Montpellier, Francia.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
Daniel Lezama opta por pintar en medio y estilo tradicionales. Su pintura y visión estética se centran en narrativas extraordinariamente pintadas, referenciadas desde el contexto vernáculo mexicano, en las historias no oficiales de recuerdos, sueños y deseos, así como en un nuevo romanticismo que ve el arte bajo una perspectiva existencial. Habitualmente, realizando pinturas de gran o medio formato y en ocasiones el dibujo, el monotipo y el grabado, Lezama expresa su visión profunda y sin precedentes de “lo mexicano” en una época marcada por prácticas postconceptuales.
Daniel Lezama ha participado en exposiciones individuales en lugares como el Museo de la Ciudad, Ciudad de México, México (2008); Roebling Hall Gallery, Nueva York, EEUU (2002); Hof & Huyser Galerie, Amsterdam, Países Bajos (1998), entre otros. También ha participado en exposiciones colectivas en lugares como Museo Angerlehner, Austria (2014); Museo Universitario de Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2013); Museo Nacional de Arte, Ciudad de México, México (2010). En el 2022, su obra fue reconocida con una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México y en el 2005 participó en la II Bienal de Beijing, China. Su obra pertenece a prestigiosas colecciones alrededor del mundo incluyendo las del Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC), Ciudad de México, México; Murderme Collection, Londres, Reino Unido; Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, México; Stedelijk Museum voor Actuele Kunst, Gante, Bélgica; Hermes Trust Collection, Londres, Reino Unido; Institut Valenciá D’Art Modern, España; Museo del Barrio, Nueva York, EEUU; y Essl Sammlung, Vienna, Austria, entre otros.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
La práctica artística de Oliver Marsden gira en torno a la percepción, las posibilidades del movimiento y la fluidez del color, el sonido y el orden. Marsden explora el comportamiento y las propiedades de la pintura, creando pulsaciones y ecos de color. Marsden tiene una base formal en la geometría que frecuentemente corresponde a las formas de las oscilaciones periódicas, como las vibraciones de sonidos simples, tales como el que puede producir un diapasón. Estos patrones de ondas son producidos frecuentemente en la naturaleza por el viento, la luz o el sonido, y su forma tiene una correspondencia directa con el ritmo y el tiempo. El trabajo de Marsden representa posibles modelos cósmicos, o fragmentos de ellos, a partir del equilibrio entre la precisión científica y la subjetividad perceptiva. La evolución de su práctica le ha llevado a experimentar con materiales como la fibra de vidrio y el aluminio, además de la pintura.
Oliver Marsden ha participado en más de 60 exposiciones colectivas, incluyendo Vigo Gallery, Dubai, Emiratos Árabes Unidos (2017) y ha mostrado su obra de manera individual en espacios como Galería Hilario Galguera, CDMX, México (2015) y Koumi Machi Kougen Museum, Koumi, Japón (2009), entre otros. Ha recibido prestigiosos premios y reconocimientos como el Prince 's Trust Award de Inglaterra en el año 2000 y The Arthur Anderson Prize por Mejor Artista Joven, Escocia en 1995. Su obra forma parte de importantes colecciones alrededor del mundo como de la Fundación Jumex, México y Horiuchi Collection, Japón, entre otras.
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (México, 1998) es un artista multidisciplinario que trabaja en medios como escultura, pintura, fotografía, instalación y video. Utiliza su arte como una herramienta que le permite sembrar cuestionamientos íntimos en el espectador acerca de una pluralidad de temas como la memoria, la tecnología, el cuerpo humano, la violencia, la decadencia y la espiritualidad (o falta de ella). Sus obras con frecuencia se presentan segmentadas, parcialmente mostradas, o veladas, implicando narrativas latentes inquietantes, enfatizadas por el realismo y precisión de su técnica.
En los últimos años, sus proyectos han desarrollado una narrativa continua que cuestiona el camino actual de la humanidad y lo que destina a futuro, creando una tensión entre lo existencial y lo espiritual, entre la tranquilidad y el caos.
Gabriel estudió en la Barcelona Academy of Art, en el año 2018. Sus exposiciones individuales incluyen Preludio, Galería Hilario Galguera, México (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, México (2020); y Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). Ha participado en muestras colectivas tales como Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, México (2021); DOT Daynight, México (2024); y Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, México (2022).
Gabriel O’Shea (Mexico, 1998) is a multidisciplinary artist who works in mediums such as sculpture, painting, photography, installation and video. His art is used as a tool that allows him to sow intimate questions in the viewer about a plurality of themes such as memory, technology, the human body, violence, decadence and spirituality (or lack thereof). His works are often presented segmented, partially shown, or veiled, implying disturbing latent narratives, emphasized by the realism and precision of his technique.
In recent years, his projects have developed a continuous narrative that questions the current path of humanity and what it destines for the future, creating a tension between the existential and the spiritual, between tranquility and chaos.
Gabriel studied at the Barcelona Academy of Art, in 2018. His solo exhibitions include Preludio, Galería Hilario Galguera, Mexico (2023); Huespedes, G.O Studio, Metepec, Mexico (2020); and Museo Casa de la Mora, Toluca (2017). He has participated in group shows such as Index 5: estancias, Galería Hilario Galguera, Mexico (2021); DOT Daynight, Mexico (2024); and Aquí y allá, Centro Nacional de las Artes, Mexico (2022).
Con 14 años de carrera, Roberto del Río es un artista mexicano autodidacta que ha explorado el sentido de los materiales superpuestos, las texturas heterogéneas y el color. Ha concentrado su proceso creativo en el uso de veladuras y estratos donde superpone capas de elementos y pintura que crean una genealogía estética evocando el sentido del mito y la historia.
Roberto del Río mezcla iconografía ancestral con información del presente relevante al ser humano de hoy. A través de un juego de códigos, genera una especie de códice donde se entraman los enigmáticos jeroglíficos, símbolos y matices que en algún momento fueron utilizados por nuestros ancestros para explicar el origen del cosmos. Las figuras y formas utilizadas describen el temperamento no informativo y fragmentado de lo comunicado, jugando con los paradigmas del espectador.
Con este cuerpo de obra, del Río apela a la naturaleza de la especie humana y a la biología cósmica que la compone. “Somos ese espectador que mientras crea, se pierde en lo creado”. Mediante el uso de múltiples veladuras, el artista pretende sepultar facetas, iconografías, lenguajes y códigos, marcando y borrando simultáneamente las huellas de un intento de registro gráfico. La obra, formada de múltiples otras obras, funge como un gran collage activo, representando con esto tanto la frustración como la voracidad con la cual nuestra especie está siendo sometida al bombardeo informático.
Con 14 años de carrera, Roberto del Río es un artista mexicano autodidacta que ha explorado el sentido de los materiales superpuestos, las texturas heterogéneas y el color. Ha concentrado su proceso creativo en el uso de veladuras y estratos donde superpone capas de elementos y pintura que crean una genealogía estética evocando el sentido del mito y la historia.
Roberto del Río mezcla iconografía ancestral con información del presente relevante al ser humano de hoy. A través de un juego de códigos, genera una especie de códice donde se entraman los enigmáticos jeroglíficos, símbolos y matices que en algún momento fueron utilizados por nuestros ancestros para explicar el origen del cosmos. Las figuras y formas utilizadas describen el temperamento no informativo y fragmentado de lo comunicado, jugando con los paradigmas del espectador.
Con este cuerpo de obra, del Río apela a la naturaleza de la especie humana y a la biología cósmica que la compone. “Somos ese espectador que mientras crea, se pierde en lo creado”. Mediante el uso de múltiples veladuras, el artista pretende sepultar facetas, iconografías, lenguajes y códigos, marcando y borrando simultáneamente las huellas de un intento de registro gráfico. La obra, formada de múltiples otras obras, funge como un gran collage activo, representando con esto tanto la frustración como la voracidad con la cual nuestra especie está siendo sometida al bombardeo informático.
With a 14-year career, Roberto del Río is a self-taught Mexican artist who has explored the meaning of layered materials, heterogeneous textures, and color. His creative process focuses on the use of glazes and strata, where he overlays layers of elements and paint to create an aesthetic genealogy, evoking the sense of myth and history.
Roberto del Río blends ancestral iconography with present-day information relevant to contemporary humanity. Through a play of codes, he creates a sort of codex where enigmatic hieroglyphs, symbols, and nuances intertwine—elements once used by our ancestors to explain the origins of the cosmos. The figures and forms he employs reflect the non-informative and fragmented nature of communication, challenging the viewer’s paradigms.
With this body of work, del Río appeals to the nature of the human species and the cosmic biology that shapes it. “We are the spectator who, while creating, becomes lost in what is created.” Through the use of multiple layers of glazing, the artist seeks to bury facets, iconographies, languages, and codes—simultaneously marking and erasing the traces of an attempt at graphic recording. The work, composed of multiple individual pieces, functions as a dynamic collage, symbolizing both the frustration and the voracity with which our species is subjected to an overwhelming flood of information.
Graduado en Communication Arts de la Universidad de Loyola de Montreal.
Se inicia como fotógrafo de moda en Montreal y Nueva York en 1973. Se traslada a Europa en 1976. Hasta el año 2006, vive entre Milán y París.
Durante esos años, su trabajo se publica en las más importantes revistas de moda internacionales: Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, Gala Internacional, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
Entre sus exposiciones individuales destacan el proyecto Últimos Testigos (Museo de la ciudad de Mérida, junio de 2016); las exposiciones en la Galería Lux Perpetua (Mérida, 2016), en el Museo de Antropologia de Munich, Alemania, (Museum Fünf Kontinente, junio de 2016), en el Museo Archivo Fotográfico de la Ciudad de México, 2017.
En el año 2024, el Museo de la Ciudad de Mérida organiza una gran muestra de su trabajo en moda: Serge Barbeau Retrospectiva. 25 años de foto de moda. París/Milán/Nueva York.
Serge Barbeau comparte su tiempo entre la selva maya de Francisco UhMay y la ciudad de Mérida.
Graduado en Communication Arts de la Universidad de Loyola de Montreal.
Se inicia como fotógrafo de moda en Montreal y Nueva York en 1973. Se traslada a Europa en 1976. Hasta el año 2006, vive entre Milán y París.
Durante esos años, su trabajo se publica en las más importantes revistas de moda internacionales: Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, Gala Internacional, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
Entre sus exposiciones individuales destacan el proyecto Últimos Testigos (Museo de la ciudad de Mérida, junio de 2016); las exposiciones en la Galería Lux Perpetua (Mérida, 2016), en el Museo de Antropologia de Munich, Alemania, (Museum Fünf Kontinente, junio de 2016), en el Museo Archivo Fotográfico de la Ciudad de México, 2017.
En el año 2024, el Museo de la Ciudad de Mérida organiza una gran muestra de su trabajo en moda: Serge Barbeau Retrospectiva. 25 años de foto de moda. París/Milán/Nueva York.
Serge Barbeau comparte su tiempo entre la selva maya de Francisco UhMay y la ciudad de Mérida.
Graduated in Communication Arts from the Loyola University in Montreal. He began as a fashion photographer in Montreal and New York in 1973 and moved to Europe in 1976. Until 2006, he lived between Milan and Paris.
During those years, his work was published in the most important international fashion magazines : Vogue, Elle, Marie Claire, Anna, International Gala, Madame Figaro, Femme, Woman, etc.
To name some of Serge Barbeau’s solos exhibitions : Last Witnesses Museum of the City of Mérida, June 2016; the exhibitions at the Lux Perpetua Gallery Mérida, 2016, at the Museum of Anthropology in Munich, Germany, Museum Fünf Kontinente June 2016, at the Museo Archivo Fotográfico in Mexico City”, 2017. In 2024, the Museum of the City of Mérida organized a large exhibition of his work in fashion Serge Barbeau Retrospective, 25 years of fashion photo. Paris/Milan/New York.
Serge Barbeau shares his time between the town of Francisco Uh May located in the middle of the Mayan jungle located in Yucatan. And the city of Mérida.
La obra de Salliander busca transmitir sensaciones contrastantes e incluso contradictorias, rompiendo los límites de la figuración hasta llegar a una abstracción muy personal. Creando así obras absorbentes que hacen referencia a una variedad de temas, desde la cultura pop y la naturaleza, hasta obras y temáticas de distintas etapas artísticas, por ejemplo, el renacimiento y el barroco. Sus pinceladas de oleo gruesas y vívidas retratan temas con dramatismo y humor, concediendo una dualidad en las interpretaciones de su narrativa.
Nacida en Suecia, Salliander ha pasado su vida como una eterna extranjera, viajando constantemente desde su infancia entre Suecia, Asia, Estados Unidos, Reino Unido y México. Esta mezcla de culturas le ha proporcionado una perspectiva de vida forastera, una visión global forjada por una diversa gama de influencias. Esto se traduce en su obra con una constante exploración de dicotomías: este contra oeste, bien contra mal, luz contra oscuridad. Es la tensión entre estos puntos contrastantes lo que más le atrae, una búsqueda constante de la ambigüedad con la que se enfrenta la humanidad en estos tiempos.
Es dentro de esta ambigüedad que las referencias y experiencias personales que con frecuencia se retratan en su obra encuentran una autonomía a través de dobles sentidos, permitiendo una interpretación libre e inédita en cada espectador.
Issa Salliander tiene un MFA de City & Guilds of London Art School. Ha expuesto de manera individual en Galeria Kandlhofer, Viena, Austria; y en OSL Contemporary, Oslo, Noruega. Ha participado en exposiciones colectivas como Faces en Leo Gallery, Shanghai; Kandlhofer Art Collective, Viena; y Parafin Gallery, Londres.
La obra de Salliander busca transmitir sensaciones contrastantes e incluso contradictorias, rompiendo los límites de la figuración hasta llegar a una abstracción muy personal. Creando así obras absorbentes que hacen referencia a una variedad de temas, desde la cultura pop y la naturaleza, hasta obras y temáticas de distintas etapas artísticas, por ejemplo, el renacimiento y el barroco. Sus pinceladas de oleo gruesas y vívidas retratan temas con dramatismo y humor, concediendo una dualidad en las interpretaciones de su narrativa.
Nacida en Suecia, Salliander ha pasado su vida como una eterna extranjera, viajando constantemente desde su infancia entre Suecia, Asia, Estados Unidos, Reino Unido y México. Esta mezcla de culturas le ha proporcionado una perspectiva de vida forastera, una visión global forjada por una diversa gama de influencias. Esto se traduce en su obra con una constante exploración de dicotomías: este contra oeste, bien contra mal, luz contra oscuridad. Es la tensión entre estos puntos contrastantes lo que más le atrae, una búsqueda constante de la ambigüedad con la que se enfrenta la humanidad en estos tiempos.
Es dentro de esta ambigüedad que las referencias y experiencias personales que con frecuencia se retratan en su obra encuentran una autonomía a través de dobles sentidos, permitiendo una interpretación libre e inédita en cada espectador.
Issa Salliander tiene un MFA de City & Guilds of London Art School. Ha expuesto de manera individual en Galeria Kandlhofer, Viena, Austria; y en OSL Contemporary, Oslo, Noruega. Ha participado en exposiciones colectivas como Faces en Leo Gallery, Shanghai; Kandlhofer Art Collective, Viena; y Parafin Gallery, Londres.
Salliander’s work seeks to convey contrasting and even contradictory sensations, breaking the boundaries of figuration to reach a highly personal abstraction. In doing so, she creates captivating pieces that reference a wide array of subjects—from pop culture and nature to themes and works from various artistic periods, such as the Renaissance and Baroque. Her vivid and thick oil brushstrokes depict subjects with both drama and humor, granting a duality in the interpretations of her narrative.
Born in Sweden, Salliander has spent her life as a perpetual foreigner, constantly traveling since childhood between Sweden, Asia, the United States, the United Kingdom, and Mexico. This mix of cultures has given her an outsider’s life perspective—a global vision shaped by a diverse range of influences. This manifests in her work through a continuous exploration of dichotomies: East versus West, good versus evil, light versus darkness. It is the tension between these contrasting points that draws her most—a constant search for the ambiguity that humanity faces today.
It is within this ambiguity that the personal references and experiences often portrayed in her work find autonomy through double meanings, allowing for a free and unique interpretation by each viewer.
Issa Salliander holds an MFA from the City & Guilds of London Art School. She has held solo exhibitions at Galeria Kandlhofer in Vienna, Austria, and OSL Contemporary in Oslo, Norway. She has also participated in group shows such as Faces at Leo Gallery, Shanghai; Kandlhofer Art Collective, Vienna; and Parafin Gallery, London.
La práctica artística de Sodi, tanto pictórica como escultórica, tiene fundamento en la expresión de los materiales, así como sus cargas culturales, simbólicas e históricas. Sus esculturas consisten en piezas de arcilla horneadas en su estudio en Oaxaca, siguiendo técnicas de la región, que son adaptadas para la producción de obras de gran formato, moldeadas manualmente y secadas a la intemperie. Las piezas resultantes son legados únicos de la interacción entre el material crudo y el medio ambiente, portando las marcas no sólo del artista, sino también de los componentes naturales de la materia prima.
A través de su trabajo, Sodi actualiza y resignifica prácticas mexicanas ancestrales; su obra conserva el uso tradicional y ritual de la arcilla, a la vez que sus formas existen como símbolos universales y arquetípicos relacionados con el infinito, la tierra, o el cosmos, entre otros. En este sentido, la obra de Sodi representa un equilibrio de varias dicotomías: lo conceptual y lo formal, lo local y lo universal, lo espiritual y lo terrenal, lo concreto y lo abstracto.
Sodi se inspira en una variedad de expresiones culturales y artísticas; en la importancia de la arcilla para las civilizaciones americanas antiguas, la tradición japonesa de wabi-sabi, que valora la impermanencia y la imperfección, así como en momentos más recientes de la historia del arte, tales como el arte povera en Italia, o en Japón: Gutay y Mono-ha; manifestaciones que expanden la definición del arte y sus espacios expositivos, a la vez que aprovechan la imprevisibilidad y la belleza de la naturaleza más allá del cubo blanco.
Bosco Sodi ha expuesto individualmente a una escala internacional en lugares como Dallas Museum of Art, Dallas, EEUU (2021) y Galería Axel Vervoordt, Amberes, Bélgica (2022). En el 2022, presentó su exposición individual “What Goes Around Comes Around” como evento colateral oficial de la Bienal de Venecia con Fondazione dell’Albero d’Oro. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia (2021) y Museo de arte de la Ciudad de Shimonoseki, Yamaguchi, Japón (2021). Su obra forma parte de más de 40 colecciones públicas y privadas incluyendo las de Harvard Art Museum, Massachusetts, EEUU; Colección Júmex, CDMX, México; y Murderme Collection, Londres, Reino Unido, por nombrar algunos.
La práctica artística de Sodi, tanto pictórica como escultórica, tiene fundamento en la expresión de los materiales, así como sus cargas culturales, simbólicas e históricas. Sus esculturas consisten en piezas de arcilla horneadas en su estudio en Oaxaca, siguiendo técnicas de la región, que son adaptadas para la producción de obras de gran formato, moldeadas manualmente y secadas a la intemperie. Las piezas resultantes son legados únicos de la interacción entre el material crudo y el medio ambiente, portando las marcas no sólo del artista, sino también de los componentes naturales de la materia prima.
A través de su trabajo, Sodi actualiza y resignifica prácticas mexicanas ancestrales; su obra conserva el uso tradicional y ritual de la arcilla, a la vez que sus formas existen como símbolos universales y arquetípicos relacionados con el infinito, la tierra, o el cosmos, entre otros. En este sentido, la obra de Sodi representa un equilibrio de varias dicotomías: lo conceptual y lo formal, lo local y lo universal, lo espiritual y lo terrenal, lo concreto y lo abstracto.
Sodi se inspira en una variedad de expresiones culturales y artísticas; en la importancia de la arcilla para las civilizaciones americanas antiguas, la tradición japonesa de wabi-sabi, que valora la impermanencia y la imperfección, así como en momentos más recientes de la historia del arte, tales como el arte povera en Italia, o en Japón: Gutay y Mono-ha; manifestaciones que expanden la definición del arte y sus espacios expositivos, a la vez que aprovechan la imprevisibilidad y la belleza de la naturaleza más allá del cubo blanco.
Bosco Sodi ha expuesto individualmente a una escala internacional en lugares como Dallas Museum of Art, Dallas, EEUU (2021) y Galería Axel Vervoordt, Amberes, Bélgica (2022). En el 2022, presentó su exposición individual “What Goes Around Comes Around” como evento colateral oficial de la Bienal de Venecia con Fondazione dell’Albero d’Oro. Ha participado en exposiciones colectivas en lugares como National Gallery of Victoria, Melbourne, Australia (2021) y Museo de arte de la Ciudad de Shimonoseki, Yamaguchi, Japón (2021). Su obra forma parte de más de 40 colecciones públicas y privadas incluyendo las de Harvard Art Museum, Massachusetts, EEUU; Colección Júmex, CDMX, México; y Murderme Collection, Londres, Reino Unido, por nombrar algunos.
Graduada de la Universidad de Buenos Aires como Licenciada Textil. Ha realizado residencias en Felipa Manuela,Madrid, España (2021), la residencia Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), y la residencia curatorial PIVÔ, Sao Paulo,Brasil 2023. Su trabajo artístico y curatorial atraviesa la investigación de estudios culturales explorando relaciones visuales, conceptuales y críticas sobre identidad, naturaleza y paisaje a partir de problemáticas socio-políticas y económicas. Desde 2014 crea y produce ciclos de arte contemporáneo latinoamericano y programas públicos para diversos museos, instituciones y galerías.
Escribe para revistas especializadas en el ámbito cultural como Piscina (Brasil), Artishock (Chile), Tramontana (España)y Global Art Daily (Japón). Desde el año 2021 integra el equipo curatorial de la plataforma de crítica y pensamientoRESET en FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, es curadora del ciclo de arte contemporáneo latinoamericanoMONTES NO VISIBLES laboratorio nómade que tuvo sede durante el año 2023 en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y en 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Gestora y curadora del ciclo de música experimental Resistencias rítmicas, y del ciclo de video performance 1 ahora fuera del tiempo, ambos en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
Graduada de la Universidad de Buenos Aires como Licenciada Textil. Ha realizado residencias en Felipa Manuela,Madrid, España (2021), la residencia Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), y la residencia curatorial PIVÔ, Sao Paulo,Brasil 2023. Su trabajo artístico y curatorial atraviesa la investigación de estudios culturales explorando relaciones visuales, conceptuales y críticas sobre identidad, naturaleza y paisaje a partir de problemáticas socio-políticas y económicas. Desde 2014 crea y produce ciclos de arte contemporáneo latinoamericano y programas públicos para diversos museos, instituciones y galerías.
Escribe para revistas especializadas en el ámbito cultural como Piscina (Brasil), Artishock (Chile), Tramontana (España)y Global Art Daily (Japón). Desde el año 2021 integra el equipo curatorial de la plataforma de crítica y pensamientoRESET en FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, es curadora del ciclo de arte contemporáneo latinoamericanoMONTES NO VISIBLES laboratorio nómade que tuvo sede durante el año 2023 en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) y en 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Gestora y curadora del ciclo de música experimental Resistencias rítmicas, y del ciclo de video performance 1 ahora fuera del tiempo, ambos en el Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
Graduated from the University of Buenos Aires with a degree in Textiles. She has completed residencies at FelipaManuela, Madrid, Spain (2021), the residency Fundación la tintorera, San Pedro de Atacama, Chile (2022), and the curatorial residency PIVÔ, Sao Paulo, Brazil (2023). Her artistic and curatorial work crosses the research of cultural studies exploring visual, conceptual and critical relationships on identity, nature and landscape from socio-political and economic issues. Since 2014 she creates and produces Latin American contemporary art cycles and public programs for various museums, institutions and galleries.
She writes for specialized magazines in the cultural field such as Piscina (Brazil), Artishock (Chile), Tramontana (Spain)and Global Art Daily (Japan). Since 2021 she is part of the curatorial team of the RESET platform of criticism and thought at FUNDACIÓN PROA, Buenos Aires, Argentina, she is curator of the Latin American contemporary art cycleMONTES NO VISIBLES nomadic laboratory that took place during the year 2023 at the Museum of Contemporary Art. of Buenos Aires (MACBA) and at 25M Sala de Projetos, São Paulo (2024). Manager and curator of the experimental music cycle Resistencias rítmicas, and the video performance cycle 1 ahora fuera del tiempo, both at the Museo de arte contemporáneo de Buenos Aires (2023, 2024).
Bernardo Montgomery (México, 1997) es un artista visual que desafía los límites de la fotografía experimentando conlas limitaciones de las técnicas tradicionales e intervenciones posteriores a la impresión. Sus obras, con frecuencia seimprimen en diversos metales y luego se oxidan a mano, incitando una transformación que difumina las líneas entre losdistintos medios. El resultado es una fusión de fotografía y pintura química, en la que las piezas adquieren un carácterescultórico gracias a su nueva materialidad.
La obra de Montgomery explora diversos temas, desde la forma humana y la identidad, hasta cuestiones másconceptuales y sociales, como el paso del tiempo, la conciencia colectiva y cuestionamientos de los roles de génerotradicionalmente impuestos, en particular criticando la cultura “machista” dentro de la sociedad mexicana.
Comenzó sus estudios de Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana antes de trasladarse a Los Ángeles paraestudiar fotografía en el Los Angeles Center of Photography. Su carrera despegó inicialmente en la industria de la moda,donde creó campañas para diseñadores y publicaciones como British Vogue, antes de aventurarse en su prácticaexperimental.
Bernardo Montgomery (México, 1997) es un artista visual que desafía los límites de la fotografía experimentando conlas limitaciones de las técnicas tradicionales e intervenciones posteriores a la impresión. Sus obras, con frecuencia seimprimen en diversos metales y luego se oxidan a mano, incitando una transformación que difumina las líneas entre losdistintos medios. El resultado es una fusión de fotografía y pintura química, en la que las piezas adquieren un carácterescultórico gracias a su nueva materialidad.
La obra de Montgomery explora diversos temas, desde la forma humana y la identidad, hasta cuestiones másconceptuales y sociales, como el paso del tiempo, la conciencia colectiva y cuestionamientos de los roles de génerotradicionalmente impuestos, en particular criticando la cultura “machista” dentro de la sociedad mexicana.
Comenzó sus estudios de Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana antes de trasladarse a Los Ángeles paraestudiar fotografía en el Los Angeles Center of Photography. Su carrera despegó inicialmente en la industria de la moda,donde creó campañas para diseñadores y publicaciones como British Vogue, antes de aventurarse en su prácticaexperimental.
Bernardo Montgomery (Mexico, 1997) is a visual artist who pushes the boundaries of photography by experimentingwith the limitations of traditional techniques and post-printing interventions. His works are often printed on various metalsand then oxidized by hand, allowing them to transform in ways that blur the lines between different mediums. The resultis a fusion of photography and chemical painting, with the pieces taking on a sculptural quality through their newfoundmateriality.
Montgomery’s work explores a range of themes, from the human form and identity to more conceptual and social issues,such as the passage of time, collective consciousness, and critiques of traditionally imposed gender roles, particularlymacho culture within Mexican society.
He began his studies in Industrial Design at Universidad Iberoamericana before relocating to Los Angeles to pursuephotography at the Los Angeles Center of Photography. His career initially took off in the fashion industry, where hecreated campaigns for designers and publications such as British Vogue, before venturing into his experimental practice.
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Jaltepec 22/03/2022 16:49