#núcleo

 #núcleo

Curada por: Andrea Wild Botero

Artistas participantes: Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz y Marco Treviño

La Galería Hilario Galguera se complace en presentar #núcleo, exposición curada por Andrea Wild Botero, en la que participan Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz y Marco Treviño. La muestra inaugura el 14 de noviembre a las 19:00 h y estará abierta al público hasta el 11 de enero de 2019.

A través de El Cuarto de Máquinas, durante un período de tres años la Galería Hilario Galguera ha contribuido al impulso de carreras jóvenes y con esta propuesta inicia una apuesta por prácticas que consideramos entre las más destacadas dentro del ámbito contemporáneo. Más allá de tener la intención de sugerir afinidades temáticas o de la tentativa por realizar una lectura generacional del quehacer artístico actual, la programación de El Cuarto de Máquinas se ha interesado por abrir un espacio para la experimentación e innovación artística. Es siguiendo este espíritu que surge #núcleo, una muestra donde se da continuidad a varios de los proyectos que comenzaron a dar forma a El Cuarto de Máquinas, y se da carta blanca a Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz y Marco Treviño, quienes presentan obras recientes cuyo común denominador es el interés por llevar al límite conceptual y material los medios bajo los cuales su obra toma forma.

Es así que #núcleo apela a su propia polisemia y se apoya en dos nociones: un centro desde el cual se generan ideas y movimiento y la formación de un grupo sólido, cuya pluralidad no limita el diálogo entre sí. Por consecuente, la exposición desea mostrar este núcleo en su máxima potencia, y por ello se ha trabajado de forma estrecha con los seis artistas involucrados para hacer públicas las investigaciones, ejercicios, intuiciones y cuestionamientos sobre los cuales trabajan actualmente. Con este fin, se les ha brindado también la libertad absoluta de intervenir el espacio de la galería para adecuarlo a cada proyecto y extender los intereses que resuenan en cada uno de ellos.

Entre las propuestas reunidas sobresale la aproximación de varios artistas hacia lenguajes geométricos y abstractos, alejándose de las narrativas históricas de la abstracción geométrica de América Latina –al igual que de las disputas teóricas que les han seguido– y emplean este lenguaje como una herramienta para subvertir diversos constructos sociales. Por el contrario, en las obras presentadas en la exposición la abstracción parece estar provocada en parte por la revolución digital y las maneras fragmentadas que ha acarreado consigo para experimentar el espacio y el tiempo. Por ejemplo, esto se hace patente en Monolito, serie pictórica de Leo Marz que parte de la deconstrucción visual de Pikachu, el personaje de la caricatura Pokémon y un fenómeno cultural, creando distintas composiciones con sus distintivos colores. A través de asociaciones arriesgadas y dispares, sin hacer distinción ni marcar jerarquías entre productos de alta o baja cultura, Marz investiga lo que define históricamente a una época desde aproximaciones a lo cotidiano, lo normalizado y lo anti-monumental. Aquí, las formas básicas que construyen el léxico visual en interfases digitales (como, por ejemplo, la del sistema operativo de un teléfono), y que han creado una familiaridad absoluta con sus usuarios, son descontextualizadas en delicados lienzos de lino.

Al igual que Marz, Mauricio Limón se vale de la abstracción para explorar temas que anteriormente sucedían bajo una normalización plena, en este caso las relaciones de poder y dominación que se urden a través de la sexualidad. El proyecto someshapesarepornsomeshapesarenotpornsomepornshapesarenotporn está conformado por moldes de silicona con patrones geométricos, disecciones pornográficas de los órganos relacionados culturalmente con el placer, y pinturas con los mismos motivos cuyos bastidores están recubiertos con henequén, el cual se extiende hacia abajo a la manera de un faldón. El uso del henequén, una fibra obtenida de la planta de agave, denota asociaciones con el trabajo artesanal y sugiere contextos geográficos “primitivos”, evocando pasajes históricos que transformaron las edificaciones sociales bajo las cuales se rige tanto la vida diaria como la mirada. 

A diferencia de Marz y Limón, Yolanda Ceballos no utiliza la abstracción como una herramienta sino que, más bien, es el resultado plástico de las investigaciones de corte antropométrico que ha realizado sobre el cambiante paisaje urbano de su natal Monterrey. Teoría de la transición es un ejercicio plástico sobre la memoria de aquellos espacios que desaparecen pero donde la conexión entre pasado, presente y futuro, el “ahora” que se teje entre la conjunción de esos tres tiempos, queda ligado gracias al cuerpo de la artista. Dicho “ahora” se plasma en los dibujos de gran formato y las esculturas de concreto que ponen en relación las escalas de su cuerpo y el espacio.

La labor escultórica es la preocupación central de Gwladys Alonzo y Cristóbal Gracia, aunque la factura formal de cada uno es sumamente disímil. Alonzo se centra en los materiales como la forma de relacionarse con un contexto geográfico y cultural específico, al igual que se interesa por métodos tradicionales que amplían su repertorio temático y agregan capas materiales y de memoria en cada pieza. Gracia, por el contrario, entiende la escultura como un proceso de investigación, reapropiación y resignificación de personajes, obras, conceptos y momentos artísticos con un tono cargado de ironía. Para #núcleo presenta Azul Guimet, un conjunto de vitrinas y objetos en las cuales pone a prueba los límites y las tensiones entre la creación, la falsificación y la restauración de obras de arte. El proyecto toma como referencia y punto de partida una vitrina del museo The Intermediatheque en Tokio, la cual pertenecía a un famoso coleccionista de objetos y arte asiático, Émile Guimet, y fue donada al museo recientemente por la ciudad de Lyon.

Por último, en La Decoraduría Marco Treviño aborda la escultura desde una perspectiva híbrida y crea una obra que por momentos es una imagen, en otros se transforma en un objeto de contemplación y en otros actúa también como un objeto utilitario que cumple una función específica: ofrecer un volumen sólido para que los visitantes tomen asiento. Así, las tensiones entre lo artístico, lo decorativo, lo ornamental y lo utilitario permean toda la muestra y plantean preguntas oportunas –y necesarias– sobre el estado actual del arte como producto cultural, al igual que el peso que la noción del llamado “buen gusto” aún tiene en su consumo, crítica y difusión.

Durante los siguientes meses, la galería transforma su espacio para albergar a este #núcleo, la parte medular de una labor que continuará a lo largo del tiempo y a la cual se agregarán partes que contribuyan a dialogar y diversificar la escena del arte joven en la Ciudad de México.

 

 

#núcleo

Curated by: Andrea Wild Botero

Participating Artists: Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz y Marco Treviño

Galería Hilario Galguera is pleased to present #núcleo, an exhibition curated by Andrea Wild Botero, in participation of artists Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz y Marco Treviño. The opening is on the 14th November 2018 at 19:00 h and will be open to the public until the 11th January 2019.

Through the project space El cuarto de máquinas, Galería Hilario Galguera has for a period of three years contributed to the promotion of emerging artists’ careers. Also, it demonstrated a commitment to practices that we consider to be among the most outstanding among the contemporary dialogues within the artistic landscape. Beyond the intention to suggest thematic affinities or an attempt to make a generational reading of the current artistic practices, its program has been interested in opening a space for artistic experimentation and innovation. In this spirit, the exhibition #núcleo gives continuity to several projects that have given shape to El cuarto de máquinas, by giving carte blanche to artists Gwladys Alonzo, Yolanda Ceballos, Cristóbal Gracia, Mauricio Limón, Leo Marz and Marco Treviño, all of whom show recent works whose common denominator is the interest in exploring the conceptual and material limits of their work. 

Thus, #núcleo appeals to its own polysemy and is based on two notions: a center from which ideas and movement are generated and the formation of a solid group of artists whose plurality does not limit the dialogue between them. Consequently, the exhibition wishes to show this nucleus at its maximum potential, and for this reason it has worked closely with the six artists involved to publicly exhibit the research, exercises, intuitions and questions which inform their work. To this end, they have also been granted the absolute freedom to intervene in the gallery space, to adapt it to their respective projects and fully extend the interests that resonate in each of them. 

Among the artistic approaches gathered here emerges a concern of geometric and abstract languages marked by a clear distancing from the historical narratives of Latin American geometric abstraction and the theoretical disputes that have followed them. Furthermore, this use of said forms is deployed with the intent to use this visual language as a tool to subvert various social constructs with which they are historically linked. In several of the works presented in the exhibition, abstraction seems to be at least partly caused by the digital revolution and the ways in which it has fragmented the collective experience including the perception of space and time. For example, Monolito, a series of paintings by Leo Marz that begins with a formal deconstruction of Pikachu, the Pokémon cartoon character and a cultural phenomenon, to create different compositions with the character’s distinctive colors. Through risky and disparate associations, without distinguishing or marking hierarchies between products of high or low culture, Marz investigates what historically defines an age through consideration of everyday pop culture figures, as well as what can be considered ‘normalized’ and ‘anti-monumental’. In his work, basic forms that together comprise a visual lexicon of digital user interfaces (for example, the operating system of an app or a smart telephone), and that have created an absolute familiarity with its users, are decontextualized in delicate linen canvases.

Like Marz, Mauricio Limón uses abstraction to explore themes that often go unnoticed, disguised by sheer normalization including relations of power and domination that are conceived and conveyed through sexuality. The work someshapesarepornsomeshapes- arenotpornsomepornshapesarenotporn is made up of geometric patterned silicone molds with dissected pornographic motifs of organs culturally related with pleasure. These sculptural works are paired with paintings that feature similarly quadrilinear explorations of pleasure-bound patterns displayed in frames that are covered with henequen fibers draping over the canvas in the manner of a hula skirt. The use of henequen, a fiber obtained from the agave plant, denotes associations with artisan work and suggests ‘primeval’ geographical contexts, thereby evoking historical antecedents that transformed social constructions under which daily life and the human gaze continue to be governed.

Unlike Marz and Limón, Yolanda Ceballos does not use abstraction as a tool, but rather, it is the formal resolution of her anthropometric research into the changing urban landscape of her native Monterrey. Teoría de la transición is a visual exercise that considers the memory of spaces that have disappeared but whereby the connection between past, present and future, which is to say the ‘now’ that is the result of a conjunction of temporal states of being, is linked by the body of the artist. Ceballos’s ‘now’ is reflected in the large- format drawings and concrete sculptures that link the scale of her body with space.

Sculptural labor is the central concern of Gwladys Alonzo and Cristóbal Gracia, although their work arrives at distinctly separate formal resolutions. Alonzo hones in on the ability of material to reference traditional or indigenous production methods and context, as a means of adding physical and metaphorical layers in each piece to expand thematic repertoire and reading. Gracia, on the other hand, understands sculpture as a process of investigation, reappropriation and resignification of historical figures, artworks, concepts and artistic moments with a healthy sense of irony. In #núcleo, he presents Azul Guimet, a set of vitrines and objects in which he tests the limits and tensions between the creation, falsification and restoration of works of art. The project takes as reference and starting point a vitrine in The Intermediatheque Museum in Tokyo, which formerly belonged to Émile Guimet, a famous collector of objects and Asian art, and which was recently donated to the museum by the city of Lyon.

Finally, in La Decoraduría Marco Treviño approaches sculpture from a hybrid perspective to create a work that at times is an image, in others it becomes an object of contemplation and in yet others acts as a utilitarian object: a solid volume offered to exhibition visitors upon which to take a seat. Thus, the tensions between conceptual artistic intention, ornamental, and utilitarian approaches to making permeate the entire exhibition, posing timely and necessary questions about the current state of art as a cultural product, as well as the weight that the notion of so-called “good taste” still has in cultural consumption, criticism and promotion.

During the following months, the gallery transforms its space to house this #núcleo, a core that is a fundamental element of a labor that will continue in the long term and which will contribute in part to the dialogue and diversity of young art in Mexico City.

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